Archives pour la catégorie Movies

BEST OF FILMS 2016 : Seigneurs des plaines et du cosmos

Fin 2015, je saluais le nouvel âge d’or de la SF si cher à la génération des débuts de la conquête de l’espace et à la génération geek. Et bien que la tendance continue grâce au numérique, ce sont assez curieusement les films avec l’humanité au centre qui ont repris la main en 2016. Des films d’anticipation SF comme Arrival et Passengers se concentrent ainsi d’abord sur l’humain plutôt que les effets spéciaux. Doit-on attendre pour autant une accalmie dans le tsunami des trucages numériques et des super-héros casse-briques ? Sans doute pas. Mais en 2016, au moment même où le monde perd de nombreuses personnalités qui ont façonné la culture populaire et même parfois le paysage politique (on pense à Mohamed Ali notamment), il faudra apprécier cette capacité du cinéma à venir compenser, voire combler, les repères perdus. Ainsi le portrait aussi ambivalent que flatteur de Steve Jobs capable d’offrir au monde à la fois une représentation tangible du secret patron d’Apple et un exercice de cinéma d’autant plus éblouissant qu’il est exclusivement constitué de dialogues et même de monologues. Et donc aux antipodes des films d’action numérique agités.

Mes 10 films de 2016 *

 

  1. Steve Jobs (Danny Boyle / Aaron Sorkin)
  2. Captain Fantastic (Matt Ross)
  3. Arrival (Denis Villeneuve)
  4. Hell or High Water (Comancheria) (David Mackenzie)
  5. Carol (Todd Haynes) / Danish Girl (Tom Hooper)
  6. The Revenant (Alexandro G. Inarritu)
  7. Sing Street (John Carney)
  8. Busanhaeng (Dernier Train pour Busan) (Sang-ho Yeon)
  9. Juste la fin du monde (Xavier Dolan)
  10. La Danseuse (Stéphanie Di Giusto)

*Liste complète des 126 films 2016 vus en salle ou en numérique à domicile consultable ici

Tous égaux devant l’humanité

Pour une fois, en ce qui me concerne, la hiérarchie de ce « top » films 2016 ne s’impose pas du tout comme les années précédentes (l’indiscutable Mad Max : Fury Road en 2015 par exemple). Tous les films de cette liste sont exceptionnels dans leur fond et leur forme et les différencier est essentiellement une histoire de goût.

Malgré la présence de plus en plus grande de films d’anticipation et de SF sur grand écran, ce sont des histoires d’hommes et de femmes (ou entre les deux : troublants et nécessaires Carol et Danish Girl) qui marquent vraiment le cinéma de l’année 2016. La multiplication des films importants remettant au coeur de leur thème le facteur humain montre qu’il ne s’agit pas seulement d’une lecture personnelle de l’année cinéma 2016. Il y en a même assez pour que mes « coups de coeur » (ci-dessous) retiennent aussi un bon nombre de portraits d’hommes et de femmes uniques devant l’adversité.

Les sobres journalistes de Spotlight qui refont croire à l’utilité de ce beau métier. La résilience inattendue du personnage de Blake Lively seule face à un requin dans The Shallows comme celui de Leonardo Di Caprio dans le tourneboulant The Revenant. Le voyage intérieur du deuil de Jake Gyllenhaal dans Demolition. Le scepticisme salutaire d’un seul homme face à l’endoctrinement communautaire dans l’inattendu The Invitation. L’obstination amoureuse de Samir Guesmi dans le si délicat L’Effet aquatique… Tous ces films renouent avec l’humain qui est en nous et le besoin vital de sortir de soi-même. Et ce sans passer par la case improbable de super héros littéral. C’est évidemment le cas des 10 premiers films de cette liste.

Danny Boyle et Aaron Sorkin transforment le portrait de Steve Jobs en un exercice de synthèse vertigineux et trouble. Viggo Mortensen et l’acteur réalisateur Matt Ross, qu’on n’a pas vu venir à ce niveau d’intelligence, inventent avec Captain Fantastic un héros des temps modernes, un résistant idéal qui dénonce le monde d’aujourd’hui sans tomber pour autant dans le fatalisme et le repli sur soi.. Le temps d’un long métrage, les deux frères de Hell or High Water passent de l’état de losers à héros magnifiques (pas près d’oublier ces Lords of the plains). Arrival, bien sûr, parle d’abord d’une mère – ambassadrice emphatique pour nous les hommes – seule apte à communiquer avec les seigneurs du cosmos. On peut y voir un parallèle avec la mère prisonnière de Room qui cherche elle aussi à comprendre et digérer le langage de l’homme – alien à la condition humaine – qui la séquestre avec son enfant.

Le cinéma de 2016, celui qu’on regarde avec attention, serait donc revenu aux fondamentaux, à savoir le coeur (ou l’âme) des hommes et des femmes. À travers la fiction (la famille en résistance alternative de Captain Fantastic, le couple dans le vide métaphysique de Passengers…) ou le réel avec le biopic Steve Jobs (auquel on pourrait rajouter celui de The Founder de fastfood McDonald); les bouleversants enfants musiciens de Sing Street, La danseuse obstinée de l’ombre à la lumière et la famille décalée de Juste la fin du monde.
Si l’on ajoute au wake up call global du cinéma de 2016 le Dernier Train pour Busan, où le personnage de trader absent à lui-même et aux autres doit être submergé par une foule de zombies pour se réveiller, on voit bien que le cinéma mondial aspire, comme la population de tous les pays, à une secousse générale. Pas besoin de filmer des bagarres numériques ou une révolution sanglante pour faire passer le message.

Quelques navets qui n’auraient pas dû en être à ce point et donc sans excuses…

  • 13 Hours
  • Allied
  • Ben-Hur
  • L’outsider
  • Tarzan
  • The Nice Guys

Beaucoup de coups de coeur, et donc à voir sans hésiter (dans le désordre)…

  • Demolition
  • Passengers
  • Manchester by the Sea
  • Room
  • Elvis & Nixon
  • Spotlight
  • Victoria
  • Les Chevaliers blancs
  • The Invitation
  • L’effet aquatique
  • Equals
  • The Shallows (Instinct de survie)
  • Blood Father
  • Nerve
  • 10 Cloverfield Lane
  • Sully
  • Le fondateur

François Bliss de la Boissière


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Steve Jobs : Ecce homo

Vertiges des mots et de l’esprit, cinéma plastique conceptuel, le Steve Jobs de Danny Boyle rejoint – sans le copier – le niveau qualitatif et mature du Social Network de David Fincher.

La Silicon Valley devrait se réjouir de voir ainsi une de ses légendes immortalisée à l’écran là où les produits qu’elle fabrique disparaissent aussi vite qu’ils naissent. On comprend que la société Apple désapprouve le Steve Jobs faillible de Aaron Sorkin et Danny Boyle. La capacité quasi dictatoriale à la décision du patron d’Apple, ses rapports humains désastreux avec sa fille Lisa et sa mère désavouée révèlent un Steve Jobs capable de cruauté, préférant la raison au coeur. Même si ces relations familiales houleuses ne sont pas totalement avérées, notamment sous la forme fictive ramassée hyper efficiente du film, dans l’absolu, sans tomber dans l’hagiographie béate, le film est bel et bien un tableau cinégénique du génie de Steve Jobs. Un portrait d’homme brillant mais pas d’un dieu. Un être humain avec la capacité unique de mettre en oeuvre sa vision, un être humain traversé aussi par tous les défauts de sa nature et de son histoire personnelle.

Après avoir rebondi sur plusieurs réalisateurs candidats, dont David Fincher lui-même, et plusieurs acteurs dans le rôle principal (dont Christian Bale, sans doute aussi pour sa capacité à maigrir à volonté), voir le projet atterrir sur les genoux de Danny Boyle et Michael Fassbender n’avait rien de particulièrement palpitant. Le scénario en 3 actes bien marqués autour de 3 présentations de produits Apple concocté par Aaron Sorkin intriguait bien sûr, mais l’arrogance et le bavardage incessant de sa série The Newsroom laissait entrevoir les limites de la méthode Sorkin. Après l’implacable The Social Network de Fincher, le film Steve Jobs confirme que pour vraiment bien mettre en scène le vertigineux tsunami de mots et de phrases du brillant dialoguiste Aaron Sorkin, il lui faut un vrai metteur en scène. Et à ce titre, capable du meilleur (28 Days Later, Slumdog Millionaire) comme du pire (The Beach, Trance), Danny Boyle surprend avec cet exercice de cinéma si désintéressé et superbement exécuté.

Les trois actes ont été répétés par les acteurs comme des pièces de théâtre sans qu’à aucun moment le film ne ressemble à du cinéma parlé et théâtral. Alors même que chaque séquence se passe dans les coulisses de théâtres pendant les minutes précédant les montées sur scène de Steve Jobs. La densité presque impensable des dialogues (on se rappellera le staccato des duellistes de l’argumentaire de la série The West Wing écrite par Aaron Sorkin) et l’intensité des tête-à-tête sont mis en image avec un sens aigu du cadrage et du montage. Tout est hyper contrôlé et fluide, rien ne fait faux. Pas même Michael Fassbender attendu au tournant (et bientôt dans le rôle du film Assassin’s Creed). Son charisme naturel d’acteur et son talent d’interprétation sans mimétisme font oublier le vrai Steve Jobs dès le premier plan du film. Même dans un rôle presque ingrat de brunette en faire-valoir de l’étoile, Kate Winslet laisse une marque indélébile. Comme tous les acteurs d’ailleurs, y compris l’insupportable cabotin Seth Rogen qui se glisse dans la peau du frère presque ennemi Steve Wozniak avec une humilité de jeu tout à son honneur.

Le paroxisme permanent des enjeux dramatiques provoqués par la personnalité de Steve Jobs lui-même est si palpable que le spectateur de cinéma, comme l’entourage et le public conquis de Steve Jobs, sont emportés dans le fameux reality distortion field provoqué par la présence du vrai Steve Jobs. Que le film arrive à reproduire cet effet posthume sans pour autant ménager sa vedette est sans doute sa plus grande réussite.

François Bliss de la Boissière


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The Danish Girl : La sensualité faite femme, et homme

Il y a toujours un risque quand un film retraçant la vie de peintres tente de reproduire dans l’image ce que la peinture elle-même dégage. La miraculeuse Jeune Fille à la Perle l’avait réussi avec chaleur en 2003. Récemment, le Mr. Turner de Mike Leigh s’y appliquait presque trop. Pialat le naturaliste, lui, s’en était abstenu avec son rêche Van Gogh de 1991.

Entre reconstitution idéalisée d’un Danemark de 1926 et soin minutieux et pictural du cadre et des éclairages, le film de Tom Hooper retrouve cette espèce d’hyper réalisme historique fascinant du Discours d’un Roi et Les Misérables. Là où le Carol de Todd Haynes s’obstine à brouiller l’image pour, peut-être, mieux étouffer les émotions inavouables, The Danish Girl scrute à la loupe le moindre éclat de lumière dans les tableaux et dans les regards. À ce point de grossissement des émotions et du grain de peau, il n’y a vraiment plus aucun recoin où les acteurs peuvent se replier. La prestation de Alicia Vikander (déjà récompensée curieusement en second rôle aux Critics’ Choice Awards) en femme solide mais femme quand même et de Eddie Redmayne en homme puis femme, avec toutes les étapes intermédiaires de la transformation physique et comportementale, laissent sans voix. Finesse de jeu, sensibilité à fleur de peau et de pupille, pudeur et impudeurs mêlées, douceur presque toujours… les Oscars auront du mal à éviter ces deux performances.

Au creux de ces magnifiques cadres d’appartements-ateliers (à Copenhague puis à Paris) d’un couple de peintres à faire rêver tous les aspirants artistes, va éclore une toile inédite, inattendue, charnelle et pas consciemment souhaitée par les deux auteurs. Une des forces du film est de ne pas faire reposer la naissance de Lili seulement sur l’homme qui se découvre femme. Le regard amoureusement complice et curieux de la portraitiste sur son compagnon paysagiste va quasiment forcer à faire apparaître sur la toile de leur vie le double féminin enfoui, Lili. C’est le regard d’Alicia Vikander sur Lili qui donne le la de la mutation. Amusée d’abord, puis inquiétée et finalement consentante. La compagne est le vecteur indispensable et indissociable de cette naissance. Lili ne veut et ne peut même pas exister sans l’amour de cette femme qu’il aime en tant qu’homme et en tant que femme.

La communauté LGBT trouvera sûrement dans cette histoire librement adaptée de vies réelles de quoi puiser quelques fiertés transgenres. Pourtant, tout en délicatesses et sensualités à la fois contenues et débordantes, témoignage romantique plutôt que militant, The Danish Girl se vit comme une immense histoire d’amour d’artistes d’abord, et une leçon d’humanité ensuite.

François Bliss de la Boissière


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Les chevaliers blancs : du cinéma vérité en grand large

Sec, direct, pas neutre mais sans jugement définitif, un vrai film de cinéma fait vivre de l’intérieur l’opération de sauvetage douteuse de l’Arche de Zoé qui fait scandale depuis 2007.

Entre activisme sincère et roublardise plus ou moins assumée, une équipe commando de l’ONG Arche de Zoé tente de rapatrier du Tchad vers la France une centaine d’enfants supposément orphelins. Des parent adoptants en France les attendaient pour les accueillir. On ne refera pas ici l’actualité, le dossier n’est toujours pas clos (attention spoiler si on a oublié ou pas suivi l’affaire) , et le film, justement, n’oublie pas de poser et soupeser tous les enjeux.
La mise en en scène et le traitement sont à ce titre remarquables. La caméra épouse d’abord les gestes, l’organisation, le paysage. Que font ces gens qui déballent rapidement du matériel d’un avion avant de filer dans un désert de poussière à bord de 4×4 ? Quel est ce camp retranché qui les accueille ? Le film fait confiance aux images d’abord, à ce qui se passe dans le cadre plutôt qu’à ce qui se dit.
Avide depuis longtemps maintenant de ces rôles d’artisans, de métiers, Vincent Lindon est encore une fois une force en action. Même quand il reste immobile. Il est rejoint par une Louise Bourgoin formidablement butée et un Reda Kateb tout aussi fermé et concentré sur la tâche devant lui. Avec eux, le spectateur est méfiant, tendu vers l’avant, vers un objectif inconnu mais puissant. L’approche serait presque documentaire si le filmage n’était pas aussi cinémascope, aussi attentif aux moments de creux qui en disent plus long que l’action. Il y a du Ridley Scott dans la maitrise généreuse du cadre, du Michael Mann quand les focales isolent les personnages du paysage et font pénétrer dans leurs pensées. Sans surenchère spectaculaire ni économie de moyens, le film finit petit à petit par mettre sur la table toutes les questions en suspens, les doutes du spectateur et des personnages. Tout sera dit et presque montré, sauf le bilan qu’il faut en tirer parce que, évidemment, cette histoire vraie comme le  monde n’est ni toute blanche ni toute noire. Le film mérite notre patience.

François Bliss de la Boissière


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Carol : le méli-mélodrame politiquement correct de Todd Haynes

En détournant le mélo amoureux contrarié, Carol ne laisse pas le coeur indemne. On accepte volontiers la manipulation d’une romance à risques entre deux femmes des années 50 puisque même de nos jours cette liberté là n’est pas tout à fait acquise dans nos sociétés. Observer l’amour défier les conventions et gagner son droit d’exister contre la société et ses préjugés d’hier fait toujours mouche. Surtout aussi bien interprété et élégamment mis en scène. Mais treize ans (!) après le formidable Far from Heaven, l’Amérique des années 50 de Todd Haynes rejoue et surjoue cette fois un peu trop l’époque sans y apporter une plus value formelle adaptée ni un fond politique durable.

C’est que, depuis, les Mad Men sont passés par là, et la représentation des années 50-60 de la série de Matthew Weiner n’est pas loin de faire office d’ultime mètre étalon à l’écran. Surtout que la précédente référence en la matière restait… le Far from Heaven du même Todd Haynes. Film au classicisme formel coloré et classieux emprunté à Douglas Sirk qui permettait de mieux fissurer le vernis superficiel de l’American way of life post Seconde Guerre mondiale. Carol se passe essentiellement à New York et sa banlieue bourgeoise et non plus dans une province idéalisée de la Nouvelle-Angleterre. Le décor est alors plus urbain, plus sombre, les gens supposément moins coincés dans leurs rôles, peut-être plus avertis et, sans doute, plus aptes à prendre des risques et à se libérer des contraintes sociales. C’est du moins ce que le film laisse poindre.

Todd Haynes s’appuie ainsi sur un roman « lesbien » de Patricia Highsmith audacieux en 1952, filme « comme si » en Super 16 mm et cherche ses plans dans les cadrages sous verre mouillé du photographe Saul Leiter. Des pedigrees indiscutables. À l’oeil cependant, sur grand écran, le film est flou et presque terne, notamment dans les intérieurs. La reconstitution historique avec ses belles voitures, ses intérieurs feutrés et ses costumes recherchés en prend un coup. Le grain et le piqué ont des limites plastiques en 2015 que le maniérisme rétro ne peut plus toujours justifier. Surtout que, encore une fois, de Douglas Sirk à Vincente Minnelli, le cinéma Technicolor des années 50 claque encore à l’écran plus que celui de toutes les autres époques. Les décors que l’on devine – seulement – brillants de Carol font alors un peu rabougris et tristes. Si c’est l’idée artistique, elle tombe à plat et bride le film.

Heureusement le jeu intense des actrices, lui, remet de la lumière sur la pellicule gonflée. À ce titre, aux côtés d’une Cate Blanchett toujours admirable mais pas très loin de sa Jasmine grande bourgeoise décalée de Woody Allen, le jeu tout en naturel et passion retenue de Rooney Mara impressionne grandement (Palmée à Cannes). Dommage cependant que Todd Haynes n’adresse pas ouvertement le rapport de classe qui lie d’abord les deux personnages féminins. La mise en scène veut nous faire croire dès le départ à un coup de foudre amoureux équitable alors que, forcément, la petite vendeuse Thérèse (Rooney Mara) doit d’abord être fascinée par la grande bourgeoise Carol au double pouvoir de décision et d’achat capricieux. Les invitations de Cate Blanchett sont d’abord des invitations à venir goûter non pas un rapport amoureux inavouable mais le mode de vie de l’Amérique bourgeoise. Le film veut nous faire croire à une relation désintéressée alors que celle-ci démarre et s’articule d’abord à partir d’un rapport hiérarchique de classe. Carol veut et décide. Soumise et fascinée, la jeune Thérèse dit oui à chaque fois. Tard dans le film, une Thérèse culpabilisante reconnaitra d’ailleurs à juste titre sa réédition permanente aux désidératas de Carol. Mais cette passivité est mise au compte de la passion et non du rapport de classe qui pourtant prédomine. Le réalisateur a visiblement préféré éteindre ce thème là pour mieux en souligner d’autres. Notamment celui de tous les hommes clichés que le film épingle avec raison sans rémission. Sauf que l’affreux mari joué par Kyle Chandler (Super 8, Bloodline…) – pour une fois en mode contre-emploi, entraine le portrait sensible de deux personnes vers la caricature d’une époque.

D’abord au service du mélo assumé, situations et personnages sont systématiquement présentés de manières partiales. En escamotant la dimension sociale et politique hurlant d’être traitée en parallèle à la romance, comme dans Far from Heaven, Carol se contente assez naïvement de présenter une histoire d’amour sans autre enjeu que celui du droit légitime de s’aimer entre personnes de même sexe. Une évidence de nos jours. En particulier en France où La Vie d’Adèle et La Belle saison, cette année, sont déjà passés par là.

François Bliss de la Boissière


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BEST OF FILMS 2015 : Rétrofuturs (la tête dans les étoiles)

Quelle période faste pour les amateurs de SF ! Ce qui était hier le plaisir des ados, geeks et autres nerds, est devenu le genre le plus attractif des salles de cinéma. Star Wars rattrape ainsi le record de Avatar au box office mondial et confirme l’aspiration populaire à décoller vers le futur et l’imaginaire. Beaucoup se plaignent de l’omniprésence des effets spéciaux numériques, et « beaucoup » a raison quand ils prennent la vedette sur les acteurs et l’humain. En réalité, puisque tout semble désormais possible à l’écran, le cinéma est vraiment en train d’atteindre la magie totale qu’on lui accordait un peu prématurément au siècle dernier. Et inévitablement, le cinéma redevient ce phénomène de foire délirant de ses débuts avec des orgies de trucages, cette fois numériques, plus ou moins spectaculaires ou de bon goût. Je crois que Méliès serait ravi de nos jours et s’amuserait comme un fou.

Mes 10 films de 2015 *

 

  1. Mad Max: Fury Road (George Miller)

  2. Ex Machina (Alex Garland)

  3. The Martian (Ridley Scott)

  4. Birdman (Alejandro Gonzalez Inarritu)

  5. Bridge of Spies (Steven Spielberg)

  6. La Belle Saison (Catherine Corsini)

  7. Maryland (Alice Winocour)

  8. Mon Roi (Maïwenn) / La Tête Haute (Isabelle Bercot)

  9. Dheepan (Jacques Audiard)

  10. Star Wars : The Force Awakens (J.J. Abrams) / Jurassic World (Colin Trevorrow)

Réalisateurs, vieux de la vieille et up & down

Si la carrière de J.J. Abrams est désormais totalement en orbite intergalactique (qui en doutait ?), le cinéma a perdu hélas en 2015 deux cinéastes majeurs des 90-2000. Michael Mann et P. T. Anderson ne sont évidemment pas morts, mais leurs derniers films ne sont plus que la caricature de leur cinéma. Six ans après le déjà discutable Public Ennemies, la présentation vieillotte des menaces cyber de Hacker dans un emballage superficiel de thriller file un terrible coup de vieux au cinéma de Michael Mann. Si l’on accordait le bénéfice du doute aux bizarreries indigestes mais si bien filmées en 70 mm de The Master, le décousu, pénible, lambin et complaisant Inherent Vice ne fait plus rire. P. T. Anderson s’enfonce ainsi dans un cinéma d’auteur private joke qui ne parle qu’à lui même et à ses acteurs. Avec l’incongru Knight of Cups (quête existentielle au coeur d’Hollywood blingbling ?), le soporifique Terrence Malick confirme qu’il ne prie plus que pour lui-même.
En parallèle, Ridley Scott (78 ans !) ne s’essouffle pas et continue de filmer des blockbusters à une cadence invraisemblable. Et tous les 3 ou 4 films il en réussi un vraiment bon. Tel The Martian que la Fox lui a proposé et qu’il a accepté en 24h. Après Alien, Blade Runner et Prometheus, et avant même la sortie de Alien Covenant, cela fait de lui devant Spielberg et J.J. Abrams le plus grand réalisateur de SF au monde avec James Cameron. Galon qu’il gardera probablement jusqu’à la sortie des 3 prochains Avatar.
Un peu dépassé par les évènements et la vague super-héros mais toujours actif contrairement au grincheux et déconnecté George Lucas, Spielberg, de son côté, lâche tranquillement un Bridge of Spies incroyablement pertinent à l’heure des frontières redevenues floues. Il rejoint sur le tard le classicisme historique visant la postérité de Clint Eastwood.

Coming out

2015 est l’année où des doubles talents aspirants réalisateurs ont réussi à s’exprimer avec leur premier film.  Avec Ex Machina le scénariste Alex Garland tape en plein dans le mille des problématiques de notre prochaine cohabitation avec l’Intelligence Artificielle. Cette version peut-être douce et cérébrale de Terminator aura certainement plu à Elon Musk. L’industriel s’est fendu d’un appel collectif à se méfier de la naissance incontrôlée d’une prochaine l’I.A potentiellement supérieure à l’homme.  Ryan Gosling a su prouver qu’il n’était pas seulement une belle gueule et un bon acteur avec son premier film Lost River entre David Lynch et Jim Jarmusch. Une carrière de réalisateur à la Sean Penn est à sa portée. Plus quelconque mais tout de même digne d’attention dans la veine des films parlés de Richard Linklater, le premier long métrage de Chris Evans réalisateur (Before we go) lui ouvre sans doute d’autres portes que celles gagnées à la force des muscles de Captain America.

Elles pour toutes

Les bonnes étoiles du 7e art ont aussi offert en  2015 une belle année, « saison », pour les femmes au cinéma, plus seulement devant mais derrière la caméra et dans les esprits. Ainsi, tout naturellement, 4 magnifiques films de réalisatrices qui frappent au ventre autant qu’à la tête s’installent dans mon palmarès pourtant plus orienté vers l’imaginaire que les drames quotidiens. Oui le cinéma français est visuellement plus modeste et plus terre à terre que le cinéma américain et ses gros moyens (sauf les films tellement stylés de Jacques Audiard) mais quand il réussit une étude de caractère, le cinéma français reste sans égal.  À l’écran, la place de la femme dans la société à plusieurs époques a été au centre d’un nombre inhabituel de films. Même si parfois maladroits, les Suffragette, Wild, Journal d’une femme de chambre, Les jardins du Roi, Far from the Madding Crowd, La Femme au tableau, Ricki and the Flash, Testament of Youth, Joy et même Big Eyes ont fait leur maximum pour rendre hommage au talent et à la détermination des femmes qui n’ont, évidemment, rien à envier aux hommes. Et qui d’autre que la guerrière Furiosa prend le pouvoir sur le monde des hommes-bêtes de Mad Max : Fury Road ?

It’s a Mad Mad Mad Mad World

Contrairement à d’autres, contemporains ou anciens, George Miller est sans doute un réalisateur économe qui prend son temps. Mais quand il sort un film, comme James Cameron d’ailleurs, il change le langage même du cinéma. Bien plus qu’une suite ou un reboot opportuniste que les producteurs espéraient sans doute, Mad Max : Fury Road, comme le nom de sa vraie héroïne Furiosa le dit, est une furieuse claque de cinéma dans une décennie cinématographique un tantinet désabusée et ronronnante à l’abri des boucliers numériques. Aussi énervé et sauvage que esthétique, Fury Road n’avait même pas besoin d’être en plus intelligent et porteur d’un message (écolo, féministe) pour balancer à la tête du monde une leçon de cinéma d’une pureté rock enfantine rare.
Finalement, le copié-collé assumé du metamodernisme** existe aussi au cinéma et ce de manière particulièrement flagrante en 2015. Les 4 reboots/remakes/relectures (comment les qualifier réellement ?) de Jurassic World, Terminator Genisys, Star Wars et même Mad Max installent un cinéma de la régurgitation, de l’auto citation, du recyclage à peine masqué. Ils ressemblent à cette époque trois-pas-en-avant-deux-pas-en-arrière, celle qui cherche à avancer avec tous les moyens technologiques du futur et n’arrive qu’à regarder et revivre le passé.

* Sur 89 vus en très grande majorité en salles (liste ici) Avec regret, on reportera au palmarès 2016 le fulgurant Steve Jobs de Danny Boyle/Aaron Sorkin et le monstrueux The Revenant de Inarritu. Futurs oscarisés que les distributeurs français déconnectés du 21e siècle n’ont pas jugé bons de sortir en 2015 en France. Ils font la joie et la tristesse du téléchargement improvisé. On retournera les voir en salle plutôt deux fois qu’une.

** « Today, we are nostalgists as much as we are futurists » (Metamodernisme Manifesto)

Quelques navets irrécupérables/inexcusables

  • Everest
  • The Walk
  • Le Tout nouveau Testament
  • In The Heart of the Sea
  • Welcome Back (Aloha)
  • Fantastic Four
  • Maze Runner : Scorch Trials
  • Chappie
  • Gunman
  • Love

Quelques coups de coeur (qui a ses raisons que…)

  • Imitation Game
  • American Ultra
  • Loin des hommes
  • La Tête haute
  • Valley of Love
  • Ricki and the Flash
  • La Résistance de l’air
  • Big Hero

François Bliss de la Boissière

 


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The Hateful Eight : Le 8e film de Tarantino est aussi son 1er

Tarantino ne faiblit pas même s’il s’enferme dans un cinéma autarcique de plus en plus étouffant malgré le cinémascope survendu et souvent inutile*. Fidèle à lui-même, pire que jamais, il adore gicler sur la toile et les spectateurs ses mots crus, cruels, sales et baignés dans le sang. Avec toujours ce risque d’être lu au premier degré et d’entendre ses insultes racistes (mais pas misogynes, non, le personnage féminin est aussi mal et bien traité que les masculins) reprises sans contexte dans la rue. Bien sûr, comme avec les frères Cohen, ce portrait d’imbéciles bavards se croyant plus malins les uns que les autres dresse le portrait à rebours d’une Amérique primitive. Soit, l’antithèse du cinéma d’Aaron Sorkin. Mais pour rhabiller les mythes de l’Empire contemporain – cette fois la gueule de bois bicolore post Guerre de Sécession – il faut écouter penser tout haut à longueur de raisonnements demeurés des personnages grotesques et caricaturaux. Surtout que, appuyé exceptionnellement par une composition originale de Ennio Morricone, le western sauvage de Tarantino joue pour de bon une partition empruntée à Sergio Leone et ses suiveurs. Plus spaghetti que Django Unchained, son western théâtral surjoue les cadres interminables, les moments suspendus indéfiniment, parfois sans autre raison que la fascination d’un gros plan ou du vide des cerveaux. Ce n’est pas un secret, Tarantino fait du cinéma bis de citations avec les moyens et la liberté d’un blockbuster d’auteur. Que l’emballage sérieux ne trompe pas, après les particulièrement militants Inglourious Basterds et Django Unchained, The Hateful Eight renoue avec sa filmo de films de genre les plus gratuits comme Kill Bill et Death Proof.

Et pourtant. Malgré les embarras, les exagérations, les prétentions, l’auto complaisance et l’auto satisfaction flagrante d’un Tarantino encouragé par ses comédiens prêts à tous les outrages, le film finit par s’imposer. Peut-être à cause de sa longueur patiente, de sa facture impeccable, The Hateful Eight arrache des rires et sourires puis hypnotise avec son décor, ses costumes et ses gueules cassées. Peut-être aussi parce que, comme le dernier Star Wars, Tarantino refait avec son 8e film son premier film. Huit-clos, whodunit, règlement de comptes, flashback explicatif, présence de Tim Roth (dans le rôle de Christoph Waltz) et Michael Madsen (dans son propre rôle)… The Hateful Eight est le remake version western de Reservoir Dogs. Le huit-clos sanglant dans une cabane de bois frôlant aussi avec le Evil Dead de Sam Raimi, gageons que pour l’un de ses deux derniers films, Quentin Tarantino s’essaiera frontalement au film d’horreur.

* Tarantino envisage sérieusement de faire une adaptation pour de bon théâtrale de son scénario.

François Bliss de la Boissière


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King Kong : mariage mixte

Le cinéaste Peter Jackson a fait appel à un game designer français pour réaliser le jeu vidéo tiré de son film King Kong. Une alliance créative avant d’être commerciale.

King Kong

Peter Jackson, le réalisateur hirsute désormais mythique de la trilogie du Seigneur des Anneaux et du prochain remake de King Kong, parle aux médias par vidéo interposée : « Pendant les tournages je trouve toujours un moment pour jouer aux jeux vidéo. Dernièrement, le jeu Beyond Good & Evil m’a tellement plus que j’ai demandé à son auteur de réaliser le jeu tiré de mon film King Kong« . Cocorico ! Michel Ancel, l’auteur en question, est français ! Son éditeur Ubisoft, français aussi. Du jamais vu, les licences de films sont habituellement entre les mains des gros éditeurs américains. Mieux, alors que, en faillite, l’essentielle de la scène française du jeu vidéo s’est expatriée, Michel Ancel continue de travailler à Montpellier.

Credo : essayer d’imaginer un « film interactif »

Répétons-le, au risque de lasser : les jeux vidéo tirés de films sont rarement recommandables. Produits marketings aux qualités interactives discutables, ils ne font qu’exploiter la notoriété d’un blockbuster cinématographique. La situation s’améliore pourtant peu à peu, grâce aux énormes progrès technologiques et à l’implication d’une génération de cinéastes imprégnés de la culture jeu vidéo. Ainsi, Peter Jackson qui, non seulement a eu le bon goût de repérer un jeu d’aventure où l’héroïne est féminine, mais a poussé la délicatesse jusqu’à choisir de collaborer avec son auteur. « Peter Jackson a l’habitude de travailler avec des créatifs, explique Michel Ancel. À partir du moment où il a senti que nous étions dans l’esprit du film, il nous a laissé travailler librement ». Un seul credo : essayer d’imaginer un « film interactif » où l’immersion du joueur serait totale. L’écran n’affiche à cet effet aucune des indications techniques habituelles des jeux vidéo. Tout le design de l’aventure du jeu décalque celui du film. « Nous avons eu accès aux croquis préparatoires dessinés par Jackson lui-même, s’enthousiasme le producteur du jeu Xavier Poix. Nous avons ainsi utilisé tout le bestiaire, y compris des animaux non retenus pour le film« .

Projet commencé avant le film

Le développement d’un jeu vidéo ambitieux peut occuper des centaines de gens pendant plus de quatre ans. Celui de King Kong a démarré aussitôt le feu vert début 2004. « Comme la réalisation du jeu a commencé avant celle du film, les équipes de Weta Digital (studio d’effets spéciaux de Peter Jackson) ont eu la surprise de voir s’animer leurs créatures avant de les avoir eux-même créées« , s’enorgueillit Xavier Poix. La musique (interactive) devant être introduite au plus tôt dans la réalisation du jeu, un compositeur différent du film a été choisi. Une décision heureuse puisque, à six semaines de la sortie du film (14 décembre), le compositeur James Newton Howard remplace sans préavis Howard Shore ! Les cris effrayants de King Kong et des T-Rex ont aussi été fabriqués de toute pièce pour le jeu. L’écho déchirant de leur rage raisonnant encore dans la tête longtemps après l’avoir entendu, il n’y a pas à regretter la VO animalière du film. Surtout que les acteurs du film ont prêté leurs vraies voix aux dialogues additionnels (disponibles en VOST au côté d’une VF) et que les cris de détresse eux, sont bien assurés par Naomi Watts, la nouvelle fiancée du grand singe.

Spielberg d’abord

Si l’alliance artistique du jeu vidéo et du cinéma accouche d’un succès avec King Kong, la cohabitation des deux médias pourra s’autoriser une orientation plus créative. Les cinéastes interviendront d’avantage sur le développement des jeux inspirés de cinéma. On le sait peu, l’indémodable Steven Spielberg a par exemple initié, à partir de son film Il Faut Sauver le Soldat Ryan et le jeu Medal of Honor, le genre, depuis répandu, des simulations de guerre réaliste. D’ailleurs, son intérêt relancé par l’arrivée d’une nouvelle génération de consoles de jeux (Xbox 360, PlayStation 3) qu’il qualifie de prometteuse, le réalisateur d’E.T. vient de signer avec l’éditeur Electronic Arts pour concevoir trois jeux vidéo originaux, c’est à dire des jeux inspirés par aucun autre média ! Peter Jackson, enfin, dont la boulimie de travail a fini par avoir raison de son surpoids, s’est déclaré producteur exécutif du film Halo, un blockbuster du jeu vidéo dont il supervisera la montée jusqu’au grand écran.

François Bliss de la Boissière

(Publié le 26 octobre 2005 dans TéléCinéObs)

 


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Factice, la 3D d’Alice ne fait pas des merveilles

Devant la brusque conversion à la 3D de films déjà tournés en 2D, James Cameron avait prévenu : n’embrouillez pas le spectateur avec des effets de relief de mauvaise qualité parce qu’il ne saura pas si le problème provient des lunettes, de l’écran (cinéma ou à domicile), ou de l’utilisation du relief par les responsables du film. La 3D réalisée en postproduction d’Alice aux pays des merveilles actuellement en salle n’est ainsi pas sincère. MISE EN RELIEF…

Alice aux pays des Merveilles de Tim Burton

Malgré sa fougueuse campagne d’affichage et médiatique donnant rendez-vous, après Avatar, avec l’Alice au pays des Merveilles de Tim Burton en 3D, celui-ci n’a pas été tourné en relief. Pour sa première réalisation en majorité numérique, le réalisateur d’Edward aux Mains d’Argent a utilisé des caméras 35 mm et des caméras numériques haute définition mais aucune exploitant la technologie stéréoscopique à double objectif permettant d’enregistrer les images pour l’œil droit et l’œil gauche. La 3D d’Alice a été réalisée en post production, et cela se voit. Avatar, lui, a été conçu, filmé et projeté en relief. Et, sans forcément bien comprendre pourquoi, le public a massivement plébiscité le spectacle devant ses yeux.

Public bluffé

En tournée promotionnelle, le responsable des effets visuels du dernier stupéfiant délire de Tim Burton, Ken Balston, affirme que la 3D réalisée sur Alice en postproduction « est aussi bonne que celle d’un tournage original en 3D mais obtenu plus rapidement pour beaucoup moins cher ». Et les spectateurs, en effet, ne semblent pour l’instant y voir que du feu. Malgré une chute de fréquentation de 47 %, le film tient la tête du box office américain depuis 3 semaines avec 265,8 millions de $ de recettes (565,8 M$ dans le monde, le film vient seulement de sortir en France). Mais la satisfaction est-elle autant au rendez-vous ? L’arbre du design brillant de cette Alice revisitée par l’imagination visuelle sans limite de Burton, réussit-il aussi bien à cacher la forêt d’un film à la 3D artificielle ?

Une 3D avertie en vaut 2

Le public, jugera en son âme et conscience. Le critique, averti et capable d’identifier la gêne pendant la projection, devra refuser ce compromis bancal qui va propager, comme le dit Cameron, un relief de mauvaise qualité, qu’il qualifie de 2,8D « jamais aussi bonne que la vraie 3D ». Un relief bancal susceptible de provoquer un malaise vague aux spectateurs qui, à moins d’être prévenus, ne sauront pas en identifier la cause. Sous entendu, seront d’abord accusés les acteurs en première ligne, à savoir les salles de cinéma et les fabriquant d’écrans et de lecteurs de Blu-ray 3D. Bien avant le producteur et le réalisateur qui auront fait ce choix douteux. La projection d’Alice pourtant une heure plus courte que les 2h40 d’Avatar paraît plus longue et fatigue davantage les yeux. Les effets faciles de fête foraine – là aussi à la hauteur d’un cinéma n’exploitant le relief qu’en version parc d’attraction – avec de nombreux projectiles jetés vers les spectateurs signalent que la 3D d’Alice a bien été pensée pendant le tournage 2D, mais ne rend pas le spectacle ni le Wonderland fou fou fou de Tim Burton plus fluide, plus crédible ni aussi tangible que celui de Pandora d’Avatar. Les yeux semblent faire plus d’effort à la vision du film.

La leçon d’Avatar

Avatar a éduqué le spectateur. La profondeur de champ jamais prise en défaut du film de Cameron ne donne aucun doute sur l’effet fenêtre à la profondeur infinie que provoque la 3D. Trait caractéristique des films au relief conçu mécaniquement en post production, la profondeur de champ d’Alice existe à peine. Les personnages et les éléments de décors n’ont pas vraiment de volume. Ils se détachent, certes, de temps en temps les uns des autres, comme appartenant à des distances différentes. Mais leur volume n’est pas assuré. Ils évoquent ces décors de théâtre faisant appel à des planches de dessin placées les unes derrière les autres pour créer des effets de perspectives. Le plus souvent, décors et personnages plats se présentent comme des pancartes détachées les unes des autres. Une illusion de 3D qui ne passe plus depuis Avatar.

3D du pauvre

Les conversions tardives à la 3D du Choc des Titans de Louis Leterrier (7 avril), puis du Robin des Bois de Ridley Scott (19 mai et ouverture du festival de Cannes) n’offriront rien d’autres que cette 3D en parallaxe trompe l’œil. Un travail de post production au coût estimé (en baisse chaque jour) entre 7 et 5 millions de $ qui fait sourire quand on sait qu’une puce dans les écrans TVHD 3D comme ceux de Samsung, dans le commerce fin avril, sont déjà capables de créer artificiellement cet effet 3D à partir de n’importe quelle source 2D. Une 3D du pauvre qui permettra d’assouvir la curiosité et l’appétit du relief des earlys adopters mais qui ne saurait se substituer bien longtemps au relief conçu à la source. Les retransmissions sportives projetées en 3D dans des salles de cinéma en France comme la récente finale du Tournoi des 6 Nations puis bientôt sur des écrans plats, dans les pubs londoniens, grâce à la chaine dédiée de Sky TV 3D, ou à domicile aux USA avec les canaux sportifs en 3D de ESPN, participeront à l’éducation sensitive du public. James Cameron, toujours, mètre étalon en toutes choses ciné technique qui a récemment filmé en live et en 3D un concert de Black Eyed Peas à Times Square, le dit clairement : « Il faut 6 mois à un an pour faire correctement une conversion 3D en post production ». Décidé à la dernière minute, Le Choc des Titans n’a eu droit qu’à 8 semaines.

Situation d’urgence

Soyons optimiste. Cette 3D de rattrapage, cette 2,8D, existe à cause de la brutalité avec laquelle Hollywood bascule dans le relief. À part un Tarantino qui jure face au tsunami numérique préférer se donner la mort le jour où il ne pourra plus utiliser de pellicule (voir le final d’Inglorious Basterds pour comprendre le pouvoir quasi religieux qu’il accorde à la pellicule), et un Christopher Nolan qui a filmé au difficile format de pellicule IMAX (2D) son prochain Inception et ne trouve des limites d’un tournage en 3D que dans l’obligation d’utiliser des caméras vidéo numériques, comment douter que les prochains films originaux de Ridley Scott, Tim Burton et de tous les entertainers jonglant avec des gros budgets ne seront pas désormais tournés nativement en relief ? [1] Puisqu’il existe deux 3D, une vraie et une préfabriquée, pour être raisonnable et participer à l’éducation sensorielle du public il serait plus honnête que les distributeurs de films laissent savoir dans leur campagne d’affichage si un long métrage a été filmé en 3D stéréoscopique originale tel Coraline et Avatar, ou si la 3D a été réalisée grâce à un astucieux traitement informatique à postériori. Il serait malheureux que cela soit encore un public pris en otage qui doivent payer sans savoir, de sa poche et avec des migraines, la période de transition pendant laquelle Hollywood va chercher ses marques.

Au spectateur de trancher

La revisitation en relief va-t-elle s’imposer mieux et avec moins de procès en hérésie que la colorisation des films en noir et blanc sur les films antérieurs ? Les projets les plus discutables, ou les plus excitants vont en tous cas parvenir dans les salles ou jusqu’à nos écrans plats. Le remixe 3D concerne déjà les deux premiers Toy Story de chez Pixar, les Star Wars de George Lucas, et même le clip Thriller de Michael Jackson que son auteur John Landis verrait bien passer à la 3D. Comme d’habitude, devant tant de promesses de réjouissances high-tech, ce seront les votes des consommateurs qui décideront, à terme, du programme qu’Hollywood adoptera. À eux de lui donner le relief souhaité.

[1] Les projets de tournage en 3D ou de remixe 3D s’empilent, des séries A, B ou Z : reboot du héros Buck Rogers par le très inquiétant Paul W Anderson, Saw 3D… D’ici la fin de l’année Warner aura sorti 10 films en 3D et en prévoit 9 en 2011. Les deux derniers épisodes d’Harry Potter (et les reliques de la mort) sortiront en 3D. Les prochains Superman et Batman seront également concernés comme tous les films de super héros. Spider-Man 4 (un reboot de la série sans l’équipe précédente), c’est sûr, sera tourné en 3D pour une sortie le 3 juillet 2012. Parmi les remixes 2D > 3D plus ou moins pertinents d’anciens films ou de nouveaux : les Star Wars et Toy Story, puis 300 (dont la suite envisagée, Xerxes, pourrait fort bien se concrétiser directement en 3D). Mais là encore, il faudra guetter le travail de James Cameron lui-même sur un upgrade 3D de son Titanic prévu aux alentours du printemps 2012 et du centenaire du naufrage du bateau.

François Bliss de la Boissière

(Publié le 27 mars 2010 sur Electron Libre)

 


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Avatar, avec ou sans entracte : la France coupée en deux

Ce n’est pas officiel, et pourtant il existe deux versions publiques du film Avatar en France. Une projetée sans interruption dans l’intégralité de ses 2H41. L’autre avec un entracte incongru placé au petit bonheur au milieu. La première, décidée par l’auteur James Cameron. La seconde improvisée par des exploitants de salle en France sous le regard ponce pilate du distributeur. Une habitude apparemment prise pour les grosses productions américaines. Avatar est-il un blockbuster comme les autres ? Qu’est devenue la France, capitale culturelle du cinéma ? ENQUÊTE…

Avatar split

PETITS ARRANGEMENTS AVEC LE PUBLIC.

Révélé en exclusivité ici et découvert presque par hasard, l’entracte forcé au milieu du film Avatar dans plusieurs centaines de cinéma soulève une pratique curieuse dans les campagnes françaises. Organisée par certains professionnels, tolérée par les autres. Interrompre le film projeté en salles pour y passer des publicités et vendre du pop-corn alors que les auteurs ne l’ont pas conçu ainsi fait entrer la France dans un tiers monde culturel auquel on n’imaginait pas la « capitale » culturelle du cinéma appartenir. Que des blockbusters américains à rallonge soient essentiellement concernés justifie-t-il ce charcutage sauvage ? Lancé comme tel, Avatar n’est de toutes façons pas un « blockbuster hollywoodien » typique. Une semaine après sa sortie, désormais entre les mains du public, tout le monde doit avoir compris qu’il s’agit là du pari fou d’un cinéaste hors norme, d’un véritable auteur jonglant avec des outils inventant le futur. Est-il normal de fermer les yeux sur la pratique de l’entracte forcé en pleine séance dans le pays des principes, des auteurs, de la Nouvelle Vague, de l’avance sur recettes, du Festival de Cannes et autres mignardises et idées nobles qui entretiennent la vitalité du cinéma hexagonal là où les autres pays européens ont depuis longtemps baissé le pavillon ?

Révélations

Formidable révélateur des vertus durables et artistiques du relief, de la crédibilité des créatures numériques, de l’efficacité de la performance capture, de la projection numérique, le futuriste Avatar met aussi à jour malgré lui des pratiques mercantiles d’un autre monde. Une pratique obscure niée par la distribution, étouffée par les observateurs attitrés pourtant indépendants, mais publique puisque des centaines de milliers de spectateurs sont concernés. Sans être forcément avertis de cette différence de traitement entre les salles de la capitale, épargnée, et le reste du territoire français. Alors même que dans la logique de la télévision ou des services mobiles, le prix du billet d’entrée pourrait varier d’une salle à l’autre en fonction de la présence ou pas, au milieu, de la publicité. Le Groupe de cinémas CGR fondé en 1974 pilote près de 400 salles en France, dont 380 sont déjà passées au numérique. Avatar est ainsi projeté dans 200 salles CGR, toutes en relief. Ce qui représenterait, selon l’exploitant, 20% des entrées *. Et avec un entracte de 10 minutes qui n’existe ni dans les salles parisiennes ni, jusqu’à preuve du contraire, dans la tête de James Cameron.

Exploitation, un mot avec une histoire

« Le Groupe CGR ne fait que de l’entertainment » souligne la journaliste Emma Deleva de l’hebdomadaire professionnel Écran Total, « Il ne gère que des multiplexes et ne passe aucun film dit d’Arts & essais. C’est la génération pop-corn ». Pionnier de l’équipement numérique en France, CGR a déjà eu le temps d’expérimenter la projection numérique 3D à base de lunettes actives, avant de réinvestir dans un procédé privilégiant les lunettes passives moins coûteuses, quand d’autres groupes d’exploitants historiques comme UGC, totalement en retard d’une révolution, n’a équipé aucune de ses salles en digital. « Le numérique est un marché de dupe » se justifie son PDG Guy Verricchia dans une interview récente. « Le surcoût que la 3D implique est à la seule charge de l’exploitant » se plaint dans une autre interview Jean Labé, président du FNCF (Fédération nationale des cinémas français). Avec une franchise louable, le directeur d’exploitation du groupe CGR, Loran Abadie, l’avoue sans détour : « C’est vrai qu’il nous arrive de créer des entractes dans les films qui atteignent ou dépassent les 2H30, même pour des projections en 35 mm. » Puis d’expliquer que cela permet de projeter le film dans plusieurs salles d’un même multiplexe : « À l’entracte les bobines du début du film sont transportées et utilisées dans une autre salle en parallèle« . Voilà l’explication des projections alternées toutes les demi heures avec éventuellement une seule copie du film. Les versions numériques des films permettent de jongler encore mieux avec les multi projections puisqu’un seul fichier de plusieurs Terra octets sur un disque dur suffit. Une clé d’autorisation est allouée par salle de projection. Notons au passage que l’évolution du tout numérique va jusqu’à permettre à l’exploitant de télécharger par satellite les spots publicitaires eux aussi en versions digitales.

La 3D a bon dos

Mais pourquoi couper aussi Avatar, un blockbuster, sans doute, mais un film pensé et monté au millimètre pendant quatre ans par son omnipotent maître d’œuvre ? « Nous pensons que 2H40 de film en 3D finit par fatiguer et qu’un entracte est bienvenu » justifie Loran Abadie. Pour vendre aussi des confiseries, n’est-ce pas ? « Bien sûr que cela augmente les chiffres de la confiserie » concède-t-il sans hypocrisie, « Nous sommes une entreprise, mais nous ne travaillons pas à court terme« . Sous-entendu, ce n’est pas le premier objectif. « Le Luxembourg et la Suisse ont pour habitude historique de couper les films en deux » se dédouane Abadie. « Les Pays-Bas aussi insèrent des entractes » enchaine un spécialiste du secteur qui préfère garder l’anonymat devant un sujet qui va fâcher, « l’Italie depuis longtemps, la Belgique flamande et ses fameux Kinépolis également, mais pas en Wallonie !« . « La Russie, la Grèce ont des « entractes culturels«  » confirme un autre professionnel de la profession sous anonymat, « les spectateurs se donnent rendez-vous au bar attenant pour parler du film« . Mais pas en France. Cameron aurait ainsi déjà prévu où placer la coupe dans son film en prévision de ces marchés atypiques subodore-t-on sans rien pouvoir prouver. Aux Etats-Unis, le film est bien projeté sans interruption, confirme le journal Variety.

Entracte au forceps

Le Seigneur des Anneaux, King Kong, Harry Potter… après Warner, Sony, Fox, même Disney laisse faire l’exploitant. « Les Pirates des Caraïbes ont été coupés en France« . Une habitude prise à partir d’une durée de 2H30. « La fatigue liée à l’utilisation de lunettes passives pour la 3D n’est pas vraiment crédible » décrypte un des spécialistes incognito. Plus légères (quelques grammes) que les pesantes lunettes actives (30g environ), les lunettes passives s’avèreraient non seulement plus supportables sur la durée mais plus efficace pendant la projection. « Pas d’anomalie selon la place excentrée du spectateur dans la salle » nous explique-t-on. Les multiplexes de CGR n’utilisent plus que le procédé avec lunettes passives, l’éventuel inconvénient de confort ne tient plus guère.

Autant en emporte l’auteur

« Les films de 4h comme Autant en Emporte le Vent ou très long pour son époque, tel 2001 l’Odyssée de l’Espace (2h30) avaient officiellement des entractes » rappelle le critique Gérard Delorme du magazine Première. Les longs films des années 50 et 60 comme Ben Hur nécessitaient d’être interrompus pour changer les bobines. « Stanley Kubrick avait planifié précisément l’entracte de 2001 avec une musique spéciale » explique Delorme. La reprise de la deuxième partie du film commençait avec un écran noir pour mieux préparer le spectateur à l’expérience. « Il semblerait qu’à partir de la limite des 2H20 de film, l’exploitant perd une séance par jour » et pourrait s’autoriser une coupure artificielle. « Il n’y a pas de loi qui interdise aux propriétaires de salles de saucissonner le film à leur guise« , précise Delorme, « Je crois que l’exploitant a tous les droits« . « Il faudrait demander à un juriste » réplique un interlocuteur pourtant bien placé alors que tout conduit vers un vide juridique comblé par des ententes tacites. « Avec un film long comme Avatar, le nombre de séances est réduit » confirme Emma Deleva d’Écran Total, « l’entracte et ses ventes de confiserie sont un bon moyen d’augmenter les recettes annexes et de rattraper l’éventuel manque à gagner. » Celles-ci ne sont pas comptabilisés dans les recettes billetteries partagées avec le distributeur. C’est tout « bénef » pour l’exploitant.

Kubrick / Lucas / Cameron

L’ambition technique, artistique et culturelle d’Avatar douze ans après Titanic confirme que chaque film de James Cameron devient phénomène et place le réalisateur canadien sur le sillon interstellaire laissé par Stanley Kubrick. Un bâtisseur de mondes, un réalisateur dont on ne mesure pas les qualités d’ »auteur » aux moyens qu’il utilise. Bien tardivement, il vient tout juste d’être adoubé d’une étoile sur le fameux Walk of Fame d’Hollywood Boulevard. S’il avait envisagé un entracte, nul doute qu’il l’aurait travaillé avec au moins autant de soin que Kubrick. Comme George Lucas en son temps avec ses cinémas labellisés THX, dont la fameuse salle du Forum des Halles à Paris, Cameron aurait supervisé l’équipement technique utilisant la technologie Dolby 3D du Gaumont Marignan en bas des Champs-Élysées. Ou du moins validé les choix techniques comparables à ceux définis à l’Empire Leicester Square de Londres où a eu lieu la première mondiale du film le 10 décembre.

Pas d’entracte pour les applaudissements

« Le film est tellement bien raconté qu’il passe à toute vitesse » s’enthousiasme sans forcer Gérard Delorme. À quoi bon un entracte ? La richesse visuelle de chaque plan occupe sans ennui chacune des 161 minutes du film. Ce que confirme sans mal chaque spectateur croisé dans la capitale. De la salle culte Max Linder au cœur de Paris qui inaugure sa première projection 3D avec Avatar, aux salles périphériques 2D avec matériel vieillissant d’UGC (et premières minutes anamorphosées puis mal calé en hauteur…), aux salles numériques du circuit MK2 de Marin Karmitz qui n’a pas raté le virage numérique malgré son profil Arts & Essais, les gens applaudissent spontanément à la fin du film. À chaque séance. Des premières du mercredi de sortie comme à celles du dimanche matin hivernal où le public vient en masse au lieu de rester au chaud chez lui. Est-ce le cas en province où la montée en puissance émotionnelle du film est brisée par l’entracte artificiel ?

Omerta

« La Fox, distributeur d’Avatar, a préconisé l’endroit où couper le film » indique sans hésiter un des professionnels anonymes de la profession. « La France est le premier marché du cinéma en Europe« , rappelle-t-il, « Lightstorm Entertainment, la société de James Cameron et son producteur Jon Landau, supervise toutes les données techniques dans le monde et est forcément au courant de tout« . Publiquement, le distributeur du film en France couvre ses arrières, nie en bloc la pratique et monte sur ses ergots : « Nous ne cautionnons pas l’entracte de CGR, c’est une décision de l’exploitant ! » tempête Frédéric Monnereau, directeur des ventes de Fox France, « C’est l’exploitant qui décide !« . Tranquille, CGR assure que projeter Avatar avec entracte dans 200 salles ne peut pas se faire sans que tout le monde soit au courant, ou d’accord. « Harry Potter, Twilight et 2012 ont été coupés« , s’indigne un Monnereau pointant du doigt la concurrence tout en refusant d’endosser la responsabilité, « Pourquoi s’acharner sur Avatar ?« . Parce que le film a été promu comme un prototype grand public susceptible de changer le visage et les anciens usages du cinéma, techniques, artistiques et même commerciaux si l’on se rappelle les 15 minutes de projection offertes dans les salles cet été. Et qu’il tient ses promesses sur tous les fronts. Des soulèvements de paupières de Jake Sully en humain puis en Na’vi qui ouvrent et concluent le film, du premier plan au dernier, Avatar demande à tous d’ouvrir les yeux.

* Depuis sa sortie le 16 décembre en France et le 18 décembre en Amérique du Nord, Avatar a récolté 165,5 millions de $ de recettes à l’international (106 pays) et 76,8 millions de $ aux USA et Canada (chiffres revus à la hausse après premier relevé) le plaçant en 2e position du record de sortie en décembre derrière Je suis une Légende (Will Smith) et le record de sortie pour un film original (non dérivé, non suite, non remake). Sur le continent nord américain le film est présent dans 3542 cinémas comprenant 3129 salles en 3D et 179 salles 3D IMAX pour 60% des recettes). Soit 242,3 M$ de recettes pour un budget estimé entre 200 et 300 M$ pour la réalisation et 500M$ en incluant le marketing.

– Màj : Pour sa première semaine d’exploitation en France du 16 au 22 décembre, le film a attiré 2 648 596 spectateurs répartis dans un parc de 726 salles. Mieux que les derniers records de 2012 et Twilight Chapitre 2. 1 650 000 de ces spectateurs ont vu le film en 3D.

François Bliss de la Boissière

(Publié le 23 décembre 2009 sur Electron Libre)

 


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Avatar joue à cache-cache sur le Xbox Live, où comment faire dire ce qu’on veut aux absents

Depuis quelques jours un extrait exclusif du film Avatar joue les effarouchés sur le Xbox Live. Annoncé par Microsoft pour une diffusion exclusive pendant trois jours entre les 17 et 21 novembre pour mettre en scène la transition des services de VOD de la Xbox 360 en streaming qualité HD version « Zune », le dit extrait n’a en réalité été disponible que pendant 24H avant de se volatiliser sans explications. Coût humain de la recherche de l’Avatar fantôme ? Deux siècles. ENQUÊTE (de geek)…

La disparition d’un élément digital dans la profusion disponible sur de multiples plateformes peut sembler un détail, mais un détail à rendre fou quand il s’agit de chercher dans la multitude d’onglets et d’accès transversaux des menus de la Xbox 360. Surtout quand l’objet de la recherche, présent un jour, absent le lendemain malgré les annonces datées, disparaît sans prévenir. Aussitôt parti en quête de réponses en bon journaliste nouvelle génération geek, la petite enquête a vite tourné au jeu de ping-pong entre avatars de Ponce Pilate. « C’est la faute à personne. Vous êtes sûr ? Et puis, quelle importance ? ». Ah il était effectivement très beau l’extrait de 4 minutes du film Avatar. Une scène quasi complète de course poursuite dans la jungle de Pandora vraiment disponible nulle part ailleurs (elle traine désormais en petite définition sur le net), réellement lisible au format HD 1080p (conditionnée à la qualité de la bande passante), curieusement recadré au format 1.78 alors que le film en salle de cinéma sera en cinémascope, mais en pure VO avec des sous-titres français. Une exclusivité en ligne et gratuite à faire rougir la PlayStation 3 de Sony, ses beaux disques Blu-ray et son tout nouveau catalogue de VOD qui ne comprend pas, lui, d’extrait d’Avatar.

Dommage et désintérêts

Aller poser la question avec insistance du pourquoi de la disparition d’un simple extrait de film aux éventuels et insaisissables responsables ne serait que dérisoire et obsessionnel si les enjeux derrière ce genre d’exclusivité n’étaient pas aussi considérables. Avec ses 500 millions de budget estimé et sa révolution technologique 3D attendue, le film de James Cameron EST l’événement incontournable de fin d’année, avec ou sans le push marketing. Tout le monde connecté a été forcément sensibilisé au teaser lâché sur Internet en août dernier simultanément aux 15 minutes projetées gratuitement dans une douzaine de salles de cinéma en France. Quand Microsoft fait valoir son exclusivité Avatar dans un communiqué de presse qui sera repris par les magazines spécialisés puis par tous les passionnés, ce n’est pas anodin. Faudrait-il aller jusqu’à réclamer des dommages et intérêts pour effet d’annonce exagérée, promesse non tenue et désinformation de sa clientèle ? Sans compter la déception émotionnelle des passionnés déboutés. « Sans doute un problème technique, pas de quoi s’inquiéter » lâchent les porte-paroles de Microsoft en plein mini black-out Avatar qui ne concernerait, au fond, pas grand monde.

La faute à qui ?

« Un problème de droit peut-être, de malentendu sur la durée de l’exclusivité », tente le journaliste en quête de goûteux ratages de communication entre big companies. « Le deal est prévu de longue date, ce n’est pas une improvisation » lui rappelle-t-on. Oui mais le reste des nouveaux services de VOD fonctionne très bien. Qu’une défaillance technique tombe justement sur Avatar paraît tout aussi improbable. « De toutes façons tout est décidé et conçu des États-Unis ». Classique, et sans doute vrai. Même indifférence, prudence, puis renvoi aux puissants américains où tout se joue, du côté de la Fox, distributrice du film. « Il faut demander à Microsoft, c’est leur exclusivité ». On insiste, tant pis pour la réputation de geek. Une deuxième voix lève un peu le voile sur une procédure technique qui implique bien un minimum la France. « Les bureaux de la Fox à Los Angeles nous ont fait parvenir l’extrait que nous avons localisé (placements de sous-titres français) avant de leur renvoyer » avoue Fox France. Microsoft prend alors le relai de la mise en ligne mondiale. Une esquisse de making-of qui ne dit pas qui est responsable du retrait de l’extrait et pourquoi. « Le contrat d’exclusivité comprenait peut-être trois jours pour n connexions » avance avec une belle pertinence le représentant de la Fox. Le nombre de consultations autorisées par l’accord a peut-être été atteint en 24H. D’où le retrait de l’extrait avant l’écoulement des trois jours annoncés. Voilà au moins une logique. Il manque les explications publiques qui éviteraient de penser que Microsoft et la Fox essaient de faire passer l’incident inaperçu.

Distribution de chiffres

Au jeu comptable que Microsoft ne manque pas d’exploiter pour se féliciter de la popularité de son Xbox Live, il suffit d’imaginer que si la moitié seulement des 20 millions de connectés au Xbox Live (recensement de mai 2008) a tenté, en vain comme nous, de lire cet extrait en le cherchant pendant, au moins, 10 minutes, cela totalise 1 million six cent soixante six mille six cent six heures de temps perdu. Revenons à l’essentiel. 1,66 millions d’heures de vie humaine gaspillées en vain, c’est à dire 69 444 jours, où 190 ans. Presque deux siècles ! Un détail. En d’autres circonstances moins obscures, un communiqué triomphant aurait pu annoncer qu’avec n millions de lectures de l’extrait d’Avatar sur Xbox Live par n millions d’utilisateurs, le XBL fait la preuve de son efficacité sur la concurrence. Cette annonce là ne verra sans doute jamais le jour.

Absence exclusive

Actuellement, l’onglet Avatar résiduel de notre Xbox 360 ne donne accès qu’à un message d’explication : « La licence de cet élément a expiré. Pour le relire, relouez-le sur le Marché vidéo. Status code : 803c0009. » Un message standardisé, on l’aura compris, puisque l’extrait ne se loue ni se télécharge mais se consultait en streaming. Un nombre limité de fois ? Sur une durée limitée dans le temps par utilisateur ? Peut-être, mais rien ne le dit nulle part.
Aligné comme chaque année sur le Thanksgiving festif américain, Microsoft lance aujourd’hui son Xtival d’hiver qui donne accès à de nombreuses activités musicales, ludiques et sociales sur le réseau Xbox Live. Des réductions de prix et un accès Gold temporaire à tout visiteur permet de goûter les services. Au paragraphe film du communiqué des festivités, Microsoft annonce, et sans plus d’explications sur le précédent disfonctionnement, la présence d’un trailer de 4 minutes du film Avatar à partir du 27 novembre jusqu’au 29 ! S’agira-t-il du même extrait ? Le mot employé est différent, l’adjectif exclusivité a disparu mais la durée de 4 minutes reste identique.
Disparition mystérieuse de l’extrait, absence d’explications publiques, réapparition opportuniste et encore fumeuse, toujours sans explications… à défaut d’être fiable et en 3D, Avatar sur Xbox 360 flirte déjà avec la 4e dimension.

François Bliss de la Boissière

(Publié le 27 novembre 2009 sur Electron Libre)

 


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Avatar, où comment le réalisateur de Titanic refait surface

Derrière le spectaculaire visuel et médiatique du nouveau projet de James Cameron avec bande-annonce et 15 minutes d’extraits offerts au public en salle, se cachent plusieurs intentions. Celle d’un réalisateur toujours en quête d’émotion et d’absolu et celle de l’industrie du cinéma qui utilise tous ses moyens technologiques, 3D, IMAX, pour arracher les gens à leurs écrans à domicile et les refaire voyager en grand dans les salles de cinéma.

Avatar 02

2ème partie (1ère partie ici) : Où le projet de James Cameron engendre une promotion d’un nouveau genre en arrachant, paradoxe ultime pour un film quasi virtuel, les spectateurs de leur écran d’ordinateur et les invite à venir voir des extraits gratuitement en salle. 4 mois avant la sortie mondiale, c’est aussi une façon de familiariser tout le monde avec ces, d’abord fumeux, puis fameux, avatars extra-terrestres bleus…

Paliers de décompression

Sans tendre l’oreille de façon volontariste pour épouser le rythme émotionnel de la bande-annonce, la première vision des créatures anthropomorphiques de la planète Pandora déconcerte sans aucun doute (cf 1ère partie). La projection inhabituelle de longs extraits du film quatre mois avant la sortie du film, d’abord au Comic-Con de San Diego, puis dans le reste du monde, y compris dans des salles IMAX, a peut-être la fonction cachée, derrière la promotion, de familiariser le spectateur avec ces étranges Na’vis avant la commercialisation du film. Cameron et la production savent sans doute déjà que le premier rejet instinctif de la présence curieusement humanisée des avatars pourrait peut-être nuire à l’appréciation du film. La bande-annonce qui sera certainement suivie d’autres et les 15 minutes de montage servent déjà de palier de décompression. Nos sens ont peut-être besoin d’être apprivoisés pour être capables d’accepter, sans même passer par le relief, le saut technique et sensoriel tenté par le film. Car les longs extraits démontrent au moins une chose non perceptible dans la bande-annonce : la viabilité expressive des dites créatures. Plus délicats à accepter pour le personnage masculin central rigidifié dans une posture de surprise, le personnage féminin Na’vi d’une des séquences fait la démonstration d’une large palette d’expressions faciales et corporelles. On y croit très vite, plus vite qu’avec les expériences botoxées virtuelles de Robert Zemeckis du Polar Express et de Beowulf, mais peut-être moins sincèrement, au jour d’aujourd’hui, qu’avec le Gollum du Seigneur des Anneaux et le King-Kong de Peter Jackson car, eux, ne cherchaient pas autant à faire humain.

La messe version Cameron

Sans chercher à en savoir davantage sur le scénario pour mieux se préserver du plaisir, il semble déjà évident que Cameron célèbre à nouveau la machine « évoluée » pour aussitôt en dessiner les dérives et les limites. Après avoir démontré, de Titanic à Terminator, que les machines asserviraient ou détruiraient l’homme par simple pesanteur ou logique rationnelle, Cameron entreprend cette fois de prolonger le message d’Abyss où le futur de l’homme serait plutôt la fusion, d’abord fraternelle, puis physique et spirituelle dans Avatar, avec une espèce venue d’ailleurs. Pour Cameron, le mecha improvisé qui permet au personnage de Ripley de lutter contre la reine alien (Aliens), puis les mechas militaires pourtant spectaculaires d’Avatar sont déjà dépassés. Toute puissante fut-elle, l’aide mécanique des machines à la motricité du Marine handicapé ne se compare pas à la renaissance physique que permet le transfert de son esprit dans un avatar alien. Ainsi, après avoir servi d’outil, d’assistance et d’instrument de destruction, l’intelligence artificielle de la machine pourrait aussi servir de vecteur entre l’homme et une autre forme de vie. Au delà de la cybernétique et du Terminator aux tissus mélangés, il faut à l’homme inventer la machine intelligente qui lui permettra de conserver son acquis intellectuel et émotionnel en le transférant dans un autre corps biologique, plus apte.

Au-delà des nuages et de la technologie

James Cameron explique que sa passion pour l’exploration des fonds sous-marins remplace l’exploration encore impossible du cosmos à laquelle il aspire depuis toujours. Au fond des abysses dit-il, dans le coton ouaté des mystérieuses profondeurs où toutes les rencontres sont encore envisageables, il cherche les autres mondes devinés sur la tapisserie étoilée du ciel. Après être descendu dans les profondeurs du Titanic pour remonter et toucher du doigt le ciel du succès, Cameron revient douze ans plus tard avec, cette fois, la ferme intention de nous emmener pour de bon au-delà des nuages. Et parce que la modernité ne lui échappe pas plus aujourd’hui qu’il y a dix-huit ans (Terminator 2), il n’oublie pas de joindre à l’exploration extériorisée de l’espace, celle intériorisée de l’espace atomique et biologique devenu digital. Si les procédés de 3D relief utilisés font l’événement (mais pas plus, à la vision du montage de 15 minutes, que les récents Là-haut et Coraline), si Avatar signe peut-être l’avènement du cinéma dit « virtuel » où l’on enregistre informatiquement bribes de décors et acteurs avant de réellement placer une caméra virtuelle et donc de « filmer », si Cameron comme avec Terminator 2 redéfinit les contours des effets spéciaux pour les cinq-dix ans à venir, il importe davantage de savoir quelle histoire fondamentale veut nous raconter le prophète James Cameron. Et si la motion capture, ou « performance capture », encore raide, le look étrange des Na’vis et les affrontements à la Star Wars laissent des doutes, la charge émotionnelle de la musique accompagnant le placement chirurgical de chaque image de la bande-annonce évoque sans détour le type de registre spirituel que cherche le réalisateur. Quand un cinéaste de 55 ans qui n’a plus rien à prouver de son talent fait un film de SF fantasmatique dont l’apparente candeur siérait plus à un jeune réalisateur geek et excusable, il faut bien se résoudre à envisager le pire ou le meilleur. Soit nous avons à faire à un réalisateur que le succès et l’ambition auraient rendu aveugle et fou. Soit nous allons assister au nouveau coming out d’un génie visionnaire toujours en avance sur son temps.

François Bliss de la Boissière

Voir aussi 1ère partie : Avatar, le coming out planétaire de James Cameron

(Publié le 12 septembre 2009 sur Electron Libre)
 

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Avatar, le coming out planétaire de James Cameron

Bande-annonce du film disponible sur Internet, puis 15 minutes de projection en 3D et gratuite d’extraits du film en salle ont transformé le vendredi 21 août en exceptionnelle journée Avatar. Et signé le retour public de James Cameron, le réalisateur bâtisseur de mondes qui veut toujours nous faire croire que derrière l’effondrement des machines et de la civilisation (Terminator, Abyss, Titanic) l’amour est toujours possible. Analyse et impressions à chaud, et froid.

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* Note aux passionnés : Pas de spoilers ci-dessous. Mots et impressions sont tirés de la bande-annonce du film disponible partout depuis le 21 août que l’on recommande de voir, ici, avant de lire. Le montage de 15 minutes projeté vendredi 21 août dans quelques salles Gaumont à Paris et en province, et vu avec le public invité gratuitement, est évoqué mais non décrit plan à plan. James Cameron le précise lui-même au début de ce privilégié bout à bout de quelques scènes montré d’abord au Comic-Con de San Diego, les images présentées n’appartiendraient qu’à la première moitié du film.

1ère partie : où le réalisateur de Titanic redevient une figure publique avec une bande-annonce dont les aliens/avatars du titre apparaissent plus comiques que convaincants avant de cueillir le spectateur au ventre avec une bande-son porteuse de toutes les intentions émotionnelles du voyage…

Après douze années d’attente depuis le succès planétaire de Titanic, 4 années de production et d’innovations technologiques annoncées, la première vision de la bande-annonce du méga projet en 3D et « cinéma virtuel » de James Cameron laisse circonspect et réveille les vieux démons du scepticisme avant de convaincre. Presque un cliché pour l’inventeur des mécaniques de substitution guerrière ou ouvrière d’Aliens, Abyss ou Terminator, les « méchas » (armure géante robotisée pilotée de l’intérieur par un humain) où se glissent les Marines colonialistes du scénario d’Avatar ne surprennent pas. Les corps longilignes aux aptitudes animalières, les yeux de biches et la voyante peau bleue des indigènes extraterrestres de la planète Pandora frôlent le ridicule et, surtout, ne renvoient pas au premier abord le côté sérieux-réaliste supposé être associé au projet. Les scènes d’affrontements aériens entre les hélicos militaires du 22e siècle et les montures volantes des Na’vis confirment le spectaculaire d’un film d’action sans faire naître un étonnement technique post Star Wars, Seigneur des Anneaux, ou Transformers signifiant. Syndrome inévitable de l’attente et du buzz mondialisé, orchestré ou spontané, l’image concrétisée d’aucun projet ne réussit jamais à se substituer à la page blanche de l’imagination de chacun. Néanmoins, un minimum intéressé et concerné pour y passer le temps requis, la vision répétée de cette bande-annonce de 2’09 minutes finit par laisser durablement une empreinte. Car au-delà de l’esbroufe technologique plus ou moins appréciable, Cameron cherche avant tout l’émotion. Et c’est bien elle qu’il faut guetter, oreilles au moins aussi grandes ouvertes que les yeux, dans la bande-annonce.

Voyage spirituel extérieur et intérieur

Une fois la première impression digérée, positive ou négative, face aux images, l’habile montage et le crescendo émotionnel de la sobre mais pénétrante bande son musicale tout juste bruitée, révèlent l’intimité et la puissance d’évocation recherchée par Cameron. Même si les plans objectifs du filmage ne l’indiquent pas directement, la bande-annonce se vit pratiquement en vue subjective. Réunis dans la position d’observateurs passifs, le spectateur assis derrière son écran et le Marine, héro de l’aventure coincé dans sa chaise roulante, partagent ainsi le même voyage : le trajet physique qui va du vaisseau spatial quittant la Terre à l’atterrissage sur la base militaire de la lune Pandora ; le parcours physiologique qui transforme le Marine handicapé en créature aux aptitudes physiques surhumaines quand il investi le corps d’un Na’vi, l’avatar ; et le chemin spirituel du héros qui va littéralement quitter le monde mécanique des hommes pour épouser le destin « naturaliste » des indigènes Na’vis. Dès le soulèvement de paupières du premier plan, la direction de regard est donnée. La curiosité du Marine, qui descend en chaise roulante de l’avion cargo en observant avec attention autour de lui, guide celle du spectateur. Ou, plus précisément, la qualité du regard porté sur les choses par le Marine doit instruire celle du spectateur, l’entrainer dans son émerveillement et son intensité émotionnelle. Le discret et pourtant formidable mouvement de caméra qui accompagne la découverte du Na’vi flottant dans un caisson transparent porte en lui toute la force du moment et du futur qu’il va engendrer. En glissant doucement derrière le héros dans sa chaise roulante, la caméra épouse son regard jusqu’au moment où, prolongeant le mouvement alors que lui s’arrête pour observer le Na’vi, elle redonne conscience au spectateur de sa propre présence dans son dos et anticipe sur l’expérience de décorporation, de sortie du corps, que va concrètement vivre le Marine en investissant celui du Na’vi. Acquiescement, émerveillement, tranquillité, le simple sourire du héros ponctuant cette courte séquence porte en lui le capital d’énergie positive à venir et ramène le spectateur dans le corps du héros qui dit, en souriant, oui à l’expérience. Ce sourire est forcément celui de James Cameron. Il signe le degré d’intention et de qualité  spirituelle attribuée à cette invitation au voyage.

Pulsations cardiaques partagées

Un lointain riff de guitare fait alors monter d’un cran la tension. Des battements de cœur étouffés donnent son rythme au montage et accompagnent le mystérieux transfert, vécu de l’intérieur, de l’humain au Na’vi. La respiration de la créature, digne d’un astronaute ou d’un scaphandrier fortement connotée trip intérieur et cosmique (2001, Abyss…), se joint aux battements cardiaques pour créer une poignante nouvelle dynamique rythmique. Le plan totalement subjectif qui suit, avec les deux mains du Na’vi dans l’écran, confirme au spectateur – et au gamer déjà bien habitué à cette position – l’immersion jusque là suggérée par les sons, le voyage intérieur auquel conduit le trajet intersidéral et sidérant. Un léger travelling permet de découvrir en même temps que lui sa nouvelle enveloppe, cet improbable corps géant et bleu au début maladroit avant que le Marine devenu Na’vi, du seul mot prononcé dans toute la bande-annonce, déclare avec un sourire rassurant au laborantin/spectateur inquiet et incrédule derrière sa vitre : « This is great », « C’est génial ».

« Altereted States »

La suite, extravertie, volontairement plus spectaculaire et ponctuée par une nouvelle couche rythmique contenue, enchaine sur la raison d’être du voyage : l’expérience primale de la vie de la vie du héro qui, tel le scientifique auto-expérimentateur du Altereted States de Ken Russel en 1980 ou un certain « danseur avec les loups » empathique, bascule de la lutte humaine contre la population native locale à la participation du côté autochtone à la guerre contre la colonisation humaine. Les images parlent ici le langage facilement identifiable de l’action et il faut encore vivre la magistrale pulsation de la musique pour y ressentir les intensions dramatiques qui suggèrent un au-delà des scènes de bataille. L’ébauche de baiser final entre les deux Na’vi dont on suppose que le mâle est l' »ancien » Marine humain, rappelle sans surprise mais avec pertinence que, malgré la tempête alentour, les enjeux sont émotionnels et intimes comme l’étaient ceux du couple d’Abyss ou du Titanic.

2ème partie à suivre ici : Où le projet de James Cameron engendre une promotion d’un nouveau genre

François Bliss de la Boissière

(Publié le 11 septembre 2009 sur Electron Libre)

 



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Jeux vidéo, le nouvel eldorado d’Hollywood

Une nouvelle vague importante d’adaptations cinématographiques de jeux vidéo se prépare dans les coulisses de la production cinéma américaine. Le nom de réalisateurs haut de gamme attachés à plusieurs projets laisse entendre que, sur le modèle des adaptations de comic books en films par des metteurs en scène prestigieux, Hollywood a compris que le talent peut payer. La réunion, jusque là douteuse, du jeu vidéo et du cinéma va peut-être enfin accoucher d’autres choses que de nanars.

blisshollywood

Malgré les alertes critiques, les adaptations médiocres de films en jeux vidéo se vendent par charrettes. Le récent million d’exemplaires écoulés du quelconque jeu vidéo Ghostbusters aux USA le rappelle. Trop rentable, cette exploitation lucrative vulgaire ne risque donc pas de ralentir. En revanche, les films tirés de jeux vidéo ne rapportent pas encore les dollars que la popularité du jeu vidéo laisse entrevoir. Même si certaines productions plus ou moins cheaps réussissent à faire des bénéfices. La série des Resident Evil va notamment se prolonger au-delà de la première trilogie. Au pire de cette exploitation de bas étage, les films sortent directement en vidéo comme les effroyables adaptations de Alone in The Dark ou Bloodrain de l’opportuniste réalisateur allemand Uwe Boll. Ou deviennent, avec un Jean-Claude Van Damme dans Street Fighter (1995) ou un Christophe Lamber dans Mortal Kombat (1995), des succès honteux de vidéoclub. Honorable mais vain et superficiel, le stylé Max Payne n’apporte rien de plus au cinéma en 2008 qu’en jeu vidéo en 2001. Un réalisateur de talent lancé avec conviction dans la grande aventure du cross over ne suffit pas non plus. Ainsi, oubliant complètement de donner une vraie épaisseur aux personnages, l’adaptation visuellement brillante du jeu d’horreur Silent Hill en film par le français Christophe Gans laisse encore un goût amer trois ans après sa sortie. Le problème est pourtant connu. Prétextes à enclencher les scènes d’action interactive, les scénarios de jeux vidéo sont aussi superficiels et maladroits que le pseudo jeu des comédiens venus débiter top chrono du texte au kilomètre derrière des créatures de synthèse plus raides que des figurants du 3e rang. Convertir les jeux en films oblige à un très sérieux travail d’adaptation. Trouver un nouveau rythme (2h un film, 10 à 40h un jeu vidéo !), combler les lacunes scénaristiques et dramaturgiques du jeu et créer un nouveau lien avec le spectateur susceptible de compenser la disparition de l’interactivité, ce lien physique inexplicable qui relie le jeu et le joueur. Un travail d’adaptation qu’Hollywood a historiquement l’habitude de mener à bien avec les livres et, plus récemment avec les comics books mais qui reste à faire avec les jeux vidéos.

Mariage attendu

Au fond, les jeux les plus respectueux et injectés de culture jeux vidéo restent des créations et non des adaptations. Le Tron séminal des années 80, le Matrix des années 90, le récent Speed Racer – malgré son échec commercial – suintent davantage le jeu vidéo que toutes les adaptations officielles. Quand ce ne sont pas les scènes d’action de blockbusters ou de films cultes qui tirent leurs cascades et effets au jeu vidéo : la scène d’ouverture yamakazi du remake de Casino Royale façon jeu de plate-forme, les enchainements de prouesses façon jeu de rôle des Seigneurs des Anneaux, ou la scène de bagarre filmée de profil façon beat’em all 2D du décalé Old Boy du coréen Chan-Wook Park. Sans même passer par l’action, l’eXistenZ de David Cronenberg, avait en 1999, lui, réussi à frôler intellectuellement ce petit quelque chose d’insaisissable au cœur de l’activité interactive.
Depuis le péché originel du bide colossal de l’adaptation incongrue de Super Mario Bros en 1992, cinéma et jeux vidéo se toisent comme chiens et chats pour accoucher de productions sans autre intérêt que facilement mercantiles. De plus en plus inévitable avec la fusion des technologies numériques 3D, le mariage des deux loisirs de masse semble pourtant prêt à accoucher d’un rejeton enfin honorable à l’aube des années 2010.

Geeks, nouvelle génération

La montée en force de la culture geek au box office, réaffirmée il y a peu par le nouveau long métrage Star Trek, vaut tous les arguments culturels auprès des studios de cinéma. Si le mixe gros budgets, effets numériques derniers cris et réalisateur de talent fan de la source peut générer un carton au box office avec des personnages aussi improbables et infantiles que les super-héros américains, (ces « fameux men in tights » : les Spider-Man de Sam Raimi, X-Men de Bryan Singer, Batman de Chris Nolan, Iron-Man de Jon Favreau, Watchmen de Zack Snider et sans doute bientôt les euro-Tintin de Steven Spielberg et Peter Jackson) après les univers de la Marvel et DC, le prochain eldorado pourrait, devrait, venir du vivier jeu vidéo. Le passage à l’acte s’apprête à se concrétiser avec la nouvelle génération qui arrive aux commandes du cinéma. Nourrie aux jeux vidéo, comme de bande dessinée, elle pourrait changer la donne. Avec elle, l’ambition d’un bon business plan se greffe d’un attachement sincère au jeu vidéo et d’une volonté de reconnaissance culturelle. Au dernier E3, un panel de discussion autour du jeu vidéo constitué d’agents, de scénaristes de comics, de producteurs de films, de développeurs de jeux et autres personnalités des industries de loisirs, tous passionnés de jeux vidéo. s’est formalisé en un groupe, House of Games, qui va faire du lobbying pédagogique entre les deux milieux.

Tous azimuts

Depuis quelques mois les projets de films adaptés de jeux vidéo se multiplient à une vitesse record. L’éditeur Electronic Arts, par exemple, déchainé, multiplie les projets d’adaptation de son catalogue de jeux vidéo. Douteux avec le para militaire Army of Two ; prometteur avec Avid Arad, producteur avisé des films Marvel, attaché à la conversion cinématographique du jeu de rôle cosmique Mass Effect (également attaché au Lost Planet de Capcom chez Warner) ; inimaginable avec Les Sims façon comédie ados des années 80 ; et culotté avec L’Enfer de Dante alors que le jeu vidéo n’est ni sorti ni garanti d’être un succès.
Et tant pis si les intentions ne se concrétiseront pas toutes. L’abandon en 2006 de l’adaptation du blockbuster Halo par Peter Jackson pour cause de budget accusé d’être trop ambitieux par les deux gros studios Fox et Universal engagés, rappelle que même le dollar maker Peter Jackson ne peut suffire à rassurer les studios de cinéma. Frilosité et scepticisme resteront de mise tant que la réussite d’un film tiré d’un jeu vidéo, sur le modèle du 1er film Spider-Man pour la bande dessinée, ne donnera pas aux studios les clés d’un minimum de succès. Alors seulement la ruée vers l’or et la course au jackpot sera lancée. Mais qui signera l’étalon hollywoodien ? Sam Raimi peut-il réussir avec un film sur Warcraft le hold-up de Peter Jackson avec le Seigneur des Anneaux ? Le jeune James Wan, réalisateur des sanglants Saw, saura-t-il élever les vampires manga de la série Castlevania de Konami en succès planétaire à la Twilight ? Roger Avary transformera-t-il Silent Hill 2 en référence de film d’horreur à la hauteur du jeu vidéo après avoir bouclé le tournage du malfamé Return of Castle Wolfenstein ? La version cinématographique de Uncharted : Drake’s Fortune deviendra-t-elle le nouvel Indiana Jones ? Le Prince of Persia actuellement en post production avec la jeune star Jake Gyllenhaal dans le rôle titre, le créateur du jeu au scénario, et le mogul Jerry Bruckheimer à la production, montrera-t-il dès 2010 un exemple réussi en visant un succès à la Pirate des Caraïbes ?

Impatiences et contournements

Malins, en attendant qu’Hollywood se décide pour de bon, les éditeurs de jeux vidéo prennent l’initiative. Histoire de se donner le droit de faire flasher sur grand écran leurs séries phares, ils commencent par en faire des bandes dessinées, puis des films d’animations diffusés sur le web ou en DVD. Avant d’être un projet de film éventuellement réalisé par l’efficace D.J. Caruso (Salton Sea, Paranoiak), le jeu de SF horrifique Dead Space d’Electronic Arts a été précédé par un long métrage d’animation en 2008 (Dead Space : Downfall). Annoncées au récent Comic-Con de San Diego, sept mini séries animées du Halo de Microsoft seront conçues par cinq studios d’animation japonais, sans doute sur le modèle des Animatrix. Après avoir créé un studio de films d’animation en image de synthèse en 2007 à Montréal d’où sortent les courts métrages et bandes-annonces associés à ses jeux, Ubisoft vient de fonder un pôle édition de bandes dessinées et publiera dès novembre une BD de son jeu à succès Assassin’s Creed avant de prolonger l’univers en trois courts métrages mi live-action mi synthèse juste avant la sortie du jeu vidéo Assassin’s Creed 2.
À l’horizon déclaré ou non, multi preuves de la viabilité de la source à l’appui, les éditeurs de jeu vidéo visent le grand écran. Quitte à forcer la marche et la main d’Hollywood. Sur la crête de cette nouvelle vague inévitable, un seul résistant surfe sur l’orgueil : le studio Rockstar qui, à moins de garder 100 % du contrôle créatif, ne veut pas prendre le risque d’écorcher l’image de sa série mine d’or, déjà éminemment cinématographique, Grand Theft Auto.

François Bliss de la Boissière

(publié sur Electron Libre le 29 juillet 2009)

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Brando reloaded

Marlon Brando était un phénomène de son vivant et va sans doute continuer de l’être dans la mort. Décédé en 2004, l’acteur monstre n’a pas dit son dernier mot. On aurait dû s’en douter. Mort, mais finalement pas enterré, grâce aux nouvelles technologies l’homme facétieux fait un come back artistique qu’il n’aurait jamais assumé de son vivant.

Marlon Brando The Godfather (DR)

Tel un Elvis Presley, aperçu encore aujourd’hui ici ou là, Brando pouvait-il vraiment mourir ? Car, « bigger than life », l’acteur fait mieux que ses congénères immortels du royaume argentique : il réussit post-mortem à s’installer dans une nouvelle durée en s’invitant par une géniale intuition non préméditée dans l’ère digitale. Ressuscité par les nouvelles technologies, Brando se paie un come-back deux ans après sa mort sur les fronts simultanés du cinéma digital (Superman Returns), du jeu vidéo (Le Parrain, bientôt sur Xbox 360 et PSP) et du DVD avec la réédition d’Apocalypse Now agrémentée d’une scène inédite.

Super Brando

Précurseur de l’ère des guest-stars, l’acteur, déjà en pré retraite, accepte de jouer en 1978 le rôle du père de Superman en échange d’un cachet de plusieurs millions de dollars. A l’époque, Brando vient ouvertement ramasser un gros cachet dans un film commercial, et éphémère. Pourtant, aussi trivial que cela puisse paraître ces années là, l’acteur se taille, à l’insu de tous, une nouvelle tunique d’immortalité. Dans le film de Richard Donner, son personnage de Jor-El meurt et ressuscite partiellement en hologramme pour répondre aux questions de son fils Kal-El / Superman. Dans la bande-annonce du récent remake inavoué Superman Returns réalisé après la mort de Brando, la réutilisation de sa voix spectrale cautionne tout à coup le projet et l’élève vers une dimension métaphysique. « Lors du premier film, il a enregistré des mots dans un microphone mais pas devant la caméra », explique le Dr Frankenstein cinéaste, Bryan Singer, « la silhouette de Jor-El à nouveau projetée dans les cristaux de Krypton a été recréée à partir de photos granuleuses de Brando puis animée en plusieurs dimensions ». Un Brando d’outre-tombe, d’outre-espace et d’outre-temps convié à ressusciter un mythe moderne auquel, contre tous les pronostics, il restera autant attaché qu’à ceux des films d’Elia Kazan, Mankiewicz, Bertolucci ou Coppola.

Parrainage digital

D’après Phil Campbell, producteur du jeu vidéo Le Parrain chez Electronic Arts, Brando était spontanément intéressé par les nouvelles technologies quand il a accepté de participer à cette adaptation interactive. « Il avait une faculté d’émerveillement enfantine, il ouvrait grand les yeux en imaginant ce qui allait le surprendre et le réjouir dans le futur », confie Campbel. Le jeu vidéo utilise ainsi le physique et la voix originale de Brando dans le rôle de Don Corleone et de nouveaux dialogues enregistrés avant sa mort. Brando existe dorénavant sous une forme polygonale numérique propre à résister au temps et à s’adresser, comme Jor-El, à de nouvelles générations.

Immortels

Même si elles font entrer Brando dans une nouvelle immortalité digitale susceptible de prolonger celle de la pellicule argentique, ces esquisses de parrainages posthumes ne suffiraient pas à entériner le retour de Brando. Pour confirmer sa présence parmi les mortels, il faut le retrouver bien visible à l’écran en pleine maîtrise de son art. C’est acquis : cet été, Apocalypse Now (The Complete Dossier) est ressorti en DVD aux Etats-Unis accompagné de nouveaux suppléments. On y trouve une version longue (17′ au lieu de 1’30) de la scène à l’origine expérimentale où Brando, le Colonel Kurtz, lit le brûlant poème The Hollow Men de T. S. Elliot.
Dans les années 90, Alain Delon écrivait dans la revue La Règle du jeu : « Dieu fasse que Brando se porte bien… S’il lui arrivait quelque chose, ce serait la vraie fin. Et, ce jour-là, je serais cliniquement mort ». Delon a donc oublié ? Les stars du cinéma ne meurent pas vraiment. Plus vivant que jamais en 2006, Highlander parmi les Highlanders, Marlon Brando, désormais virtuel, est peut-être en passe de confirmer qu’il reste le « meilleur acteur de tous les temps ». Suite de la mutation en 2007 : en pleine renaissance numérique Brando interprète, enfin, dans le film d’animation Big Bug Man, son premier rôle de femme.

François Bliss de la Boissière

(Publié en août 2006 dans Chronic’art)

 


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E3 2005 : Le jeu vidéo fait son cinéma

Les nouvelles consoles présentées au salon annuel des jeux vidéo de Los Angeles font leur cinéma tout en ne voulant plus seulement jouer.

TéléObs E3 2005

Cela se passe au pied du downtown de Los Angeles, aux portes d’Hollywood, pendant le Festival de Cannes. Le Convention Center de L.A. accueille chaque mois de mai le grand raout annuel des jeux vidéo : l’Electronic Entertainment Expo, l’E3, ses 70 000 participants venus de 79 pays présenter et voire plus de 5000 produits. Un événement hypertrophié entre foire du trône à l’américaine où chaque stand cherche à attirer le passant dans un déchaînement d’images et de sons, salon professionnel où contrats et projets se discutent et se signent dans des back rooms privées, rendez-vous culturel avec conférences réunissant les éminences artistiques du milieu, et centre d’expositions cautionnées par l’Académie des Arts et Sciences Interactives et le Musée LACMA* de Los Angeles. Un délire dionysiaque électronique digne de l’activité bouillonnante du jeu vidéo qui rejette sans ménagement tout intrus ou curieux non averti.

Nouvelle génération, nouveaux challengers

Année charnière, 2005 signe le basculement vers une nouvelle génération technologique d’une industrie du jeu vidéo si étroitement liée au progrès informatique qu’elle est condamnée à l’éternel recommencement. Les trois constructeurs de consoles de jeux qui se partagent le marché des années 2000, Sony et sa PlayStation 2, Nintendo et sa GameCube et, surtout sa Game Boy, et le nouveau challenger Microsoft et sa Xbox ont présenté des nouvelles machines « Next -Gen » surpuissantes destinées à conquérir le marché des loisirs numériques des cinq prochaines années. Des machines à jouer capables d’aller sur Internet, de lire, télécharger, centraliser, films, musiques, photos, et communications, au point de ne plus vouloir s’appeler consoles de jeux mais centres de loisirs multimédia. « Super ordinateur de loisirs » ou « serveur de divertissement » s’affirme la PlayStation 3 de Sony et son inédit processeur CELL auto qualifié de « synthétiseur de réalité ». « Revolution » revendiquée chez Nintendo dont le projet encore mystérieux mais sans fil abrite des processeurs surnommés Hollywood (ATI) et Broadway (IBM) ! Microsoft, enfin, dont la Xbox 360 sortira la première fin 2005 en plaçant l’utilisateur au « centre de l’expérience » de « l’ère de la Haute Définition » comme l’explique Bill Gates en couverture du Time**.

Bad boys reloaded

Cette 11e édition de l’E3 entérine également une coopération de plus en plus étroite, quoique encore ambiguë, entre les industries du cinéma et du jeux vidéo. Après l’exploitation de films récents, les éditeurs cherchent à faire revivre les bad boys les plus célèbres de l’histoire du cinéma dans des productions interactives souvent bancales mais si lucratives. Ainsi, les attendues affiches géantes des prochains Batman Begins, Madagascar, Aeon Flux (Charlize Theron offre au jeu aussi sa voix et son physique) ou le plus prometteur King-Kong, côtoient les anciens James Bond, Scarface, Warriors (Walter Hill, 79), Taxi Driver, Dents de la Mer, ou Parrain et concurrencent celles des jeux les plus populaires (+ de 1000 titres inédits présentés !). Modeste domaine réservé d’acteurs peu connus (écouter la magnifique Linda Hunt en narratrice, Ron – Hellboy – Perlman est un habitué…), le doublage vocal de jeux vidéo devient aussi l’affaire d’acteurs de premier plan. Sans doute grâce aux zéros confidentiels récemment alignés sur des chèques par de gros éditeurs de jeux vidéo (Electronic Arts, Vivendi Universal…) mais aussi parce que cautionnés par le vrai parrain des acteurs modernes, Marlon Brando lui-même, qui, malicieux jusqu’au bout, a joué le jeu avant sa mort en 2004 en enregistrant de nouveaux dialogues du Godfather. Depuis, comme si le parrainage posthume valait pour blanc-seing, les autres suivent. Et tant pis si, non consulté, Francis Ford Coppola en est réduit à dénoncer et les méthodes et le résultat (Le Parrain n’est pas un film d’action, le jeu, oui). Robert Duvall et James Caan ont enregistré de nouveaux dialogues pour une adaptation du Parrain. Sans aller jusqu’à redonner de la voix, Al Pacino a accepté de réapparaître en Tony Montana dans un Scarface virtuel. Sean Connery refait du 007 sur Bons Baisers de Russie, et le grand Clint a dit oui à Warner pour prêter sa voix et son physique à des aventures interactives de L’Inspecteur Harry. Les séries TV les plus célébrées se convertissent également, avec notamment la présence de Kiefer Sutherland sur le jeu 24h Chrono, Vincent d’Onofrio sur New York District, tandis que Les Sopranos sont en discussion. Une participation des acteurs devenue si importante que la puissante SAG (Screen Actors Guild) envisage la grève pour renégocier des cachets ne tenant pas compte jusqu’ici des royalties sur les ventes de jeux vidéo. François B. de la Boissière

* (Los Angeles County Art Museum)
** Edition du 23 mai 2005

François Bliss de la Boissière

(Publié le 3 juin 2005 dans TéléCinéObs)

 


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Oddworld : La Fureur de l’Étranger : Le cas Eastwood

Enterrée dans Impitoyable (92), l’ombre du cow-boy Eastwood hante désormais le nouvel Eldorado du jeu vidéo. Game vs Ciné: qui influence qui ?

Oddworld Stranger's Wrath

En 2004, le remarqué Read Dead Revolver (RockStar) lui donnait officieusement la vedette en porteur de poncho à la voix traînante. Mais c’est dans le récent jeu d’Oddworld Inhabitants que l’hommage prend un nouveau sens. « L’Étranger est un croisement entre un gorille, un Minotaure et Clint Eastwood » ose Lorne Lanning, ancien de l’image de synthèse d’Hollywood, patron créatif du studio. Chasseur de prime malgré lui, il n’aime pas les flingues et utilise une arbalète dont les munitions sont des créatures vivantes aux aptitudes diverses (les abeilles piquent, par exemple). Aussi original que respectueux de l’iconographie cinématographique, ce western animalier réussit un inédit cocktail technique, pastiche et artistique. Quant à Eastwood, le vrai, il a donné le feu vert à Warner pour un jeu Dirty Harry auquel il prêtera ses traits et sa voix. La vraie, elle-aussi.

  • Oddworld: La Fureur de l’Étranger. Xbox. (Electronic Arts).

François Bliss de la Boissière

(Publié en avril 2005 dans le mensuel Première)

 



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Jim Ward/Lucasfilm : DVD mode d’emploi

Producteur exécutif chez Lucasfilm, Jim Ward a la responsabilité mondiale des licences Star Wars et Indiana Jones au cinéma, à la télévision et en DVD. Juste après George Lucas. Interview…

Jim Ward (c) Lucasfilm & TM. All rights reserved.

Bliss : Avec quelle fréquence consultez-vous George Lucas ?

Jim Ward, Vice-Président du Marketing/Lucasfilm : Cela dépend où nous sommes dans le cycle de production d’un projet. Au lancement d’un film, nous nous voyons chaque jour. Moins depuis qu’il tourne Episode III à Sydney* en Australie. Je lui ai parlé la semaine dernière (fin août, ndlr).

Bliss : Combien de gens chez Lucasfilm s’occupent de la production des DVD ?

Jim Ward : Si vous additionnez les sept activités, Industrial Light & Magic, Skywalker Sound, Lucas Digital, Lucas Licensing, LucasArts, Lucas Online et le récent Lucasfilm Animation Ltd de la société Lucasfilm Ltd originale fondée en 1971, vous pouvez comptabiliser 1800 à 2000 salariés (THX est dorénavant indépendant, ndr). Quand la production d’un DVD est décidée, nous assemblons une petite unité très concentrée de seulement dix à quinze personnes. Pour les suppléments nous recrutons des documentaristes, comme John Shenk sur Episode I et II. Nous avons confié le design des menus au talent de Van Ling (The Abyss, Starship Troopers, Titanic…) qui a la responsabilité technique de l’ensemble. Cette équipe négocie les meilleurs partenaires au cas par cas avec des sociétés spécialisées d’authoring et de compression comme DVCC ou PDSC. En général, la société THX avalise la qualité d’un DVD une fois le travail terminé. Pour les DVD Lucasfilm, THX valide rigoureusement la qualité à toutes les étapes. Et, toujours selon les situations, nous confions la duplication à des sociétés comme Sony (Episode I) ou Deluxe (Episode II).

Bliss : Comment se passent vos relations avec vos distributeurs ?

Jim Ward : Ils sont de bon conseil, ils connaissent bien le marché du DVD, les enjeux économiques. Nous discutons avec eux. Néanmoins, vis à vis de la Fox nous avons le dernier mot sur les Star Wars dont la licence appartient à Lucasfilm. Dans ce cas précis, ce sont nos propres risques financiers qui sont en jeu. Les décisions sont prises en commun avec Paramount sur les Indiana Jones. Universal est plutôt en charge d’American Graffiti et la Warner de THX 1138, le tout premier film de George Lucas.

Bliss : Lucasfilm supervise les versions internationales des DVD ?

Jim Ward : Oui, d’autant que le marché international est dorénavant plus grand pour Lucasfilm que le marché intérieur américain. Les recettes internationales d’Episode I ont dépassé pour la première fois celles des États-Unis. Est-ce que nous faisons confiance à nos studios partenaires pour comprendre les besoins de chaque pays ? Absolument. Nous n’envoyons personne sur place, mais THX reçoit les travaux de chaque pays et les valide.

Bliss : À quand le film THX 1138 et les trois premiers Star Wars en DVD ?

Jim Ward : Aucune date n’est décidée pour THX 1138 mais nous y travaillons avec Universal. Quant aux premiers Star Wars, c’est vraiment un problème d’emploi du temps de George Lucas. N’oubliez pas qu’il tourne trois films coup sur coup et sort aussi les DVD.

Bliss : Quelle est la disponibilité de George Lucas dans la création des suppléments DVD ?

Jim Ward : Cela a beaucoup changé depuis Episode I. A l’époque le marché du DVD n’était pas encore bien implanté, et ils n’avaient pas du tout été envisagés pendant la préparation et le tournage du film en 96-97. L’expérience aidant, pour Episode II nous avions réfléchi un peu plus à l’avance, et nous irons plus loin encore avec Episode III. Nous avons une équipe sur le plateau pour filmer le tournage. Mais actuellement, George Lucas est d’abord et avant tout concentré sur le film.

* Star Wars : Episode III : début du tournage 30 juin 2003, sortie salles en 2005.

Propos recueillis par François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Crève Smoochy crève ! (Death to Smoochy)

Un animateur sans scrupule de télévision pour enfants utilise tous les moyens à sa disposition pour discréditer son successeur candide mais intègre.

Death to Smoochy

Décousue, pénible, ni pour enfants ni pour adultes, malgré un casting étonnant et des décors très travaillés, cette satire au vitriol des émissions pour enfants est un film raté pour le réalisateur Danny DeVito qui ne réussit pas à retrouver l’équilibre du fameux affrontement marital de La Guerre des Roses.

Comédie
Réalisateur : Danny DEVITO.
Scénario : Adam RESNICK.
Acteurs : Robin WILLIAMS, Edward NORTON, Catherine KEENER.
Musique : David NEWMAN.

DVD Zone 2

Images

Parfaites et très soutenues, les couleurs et éclairages rappellent le joli film Dick Tracy mais, hélas, tombent à plat.

Son

La VF oublie un peu les canaux arrière contrairement à la VO, et la spatialisation est de toutes façons inégale. Bon point de la VF : les morceaux chantés gardent les voix originales des comédiens.

Bonus

En VOST : Coulisses du tournage ; 10 scènes coupées ; bêtisier, plus drôle que le film hélas : 6 galeries de photos au défilement bien trop lent ; excellente chute en bonus caché. En VO non sous-titrée : commentaire audio du chef opérateur (non annoncé) et d’un Danny DeVito qui s’excuse de regarder le film au lieu de parler plus souvent ! 3 bandes-annonces dont 1 courte version radicale signée « Danny ».
DVD-ROM : Ice Show Interactif (fonctionne très mal et, en plus : l’éditeur force l’installation d’un lecteur DVD !)

Format film : 1.85.
Format cinéma : 16/9 compatible 4/3.
Versions sonores : VF, VO, et italienne en 5.1.
Sous-titres : Français, anglais, italiens et arabes. Anglais et italiens pour malentendants.
USA – 2002 – Couleurs – 105’ – Warner – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Arrête-moi si tu peux (Catch Me if You Can)

Fuyant le divorce de ses parents, un jeune homme débrouillard escroque les banques et déjoue les limiers du FBI en se faisant passer tour à tour pour un professeur, un pilote de ligne, un médecin ou un avocat.

catch_me_if_you_can

Fable « légère » devant permettre à un Spielberg toujours bouillonnant de respirer après les copieux et complexes A.I. Intelligence Artificielle et Minority Report, ce film presque musical au rythme aussi soutenu que son tournage au galop brille d’un éclat particulier. Notamment grâce à Janusz Kaminski, directeur de la photo aussi à l’aise ici dans les clinquants décors colorés des années 60 que dans les univers sombres et futuristes des précédents Spielberg, et – il faut bien l’avouer encore une fois – grâce à la mise en scène virtuose d’un réalisateur qui, à 57 ans, n’a pas fini de se renouveler et de surprendre son public, amateurs et détracteurs compris. Un Spielberg divertissant plus au service des acteurs que d’habitude (quel casting !) à visionner comme il s’annonce : avec légèreté.

Comédie dramatique
Réalisateur : Steven SPIELBERG.

Scénario : Jeff NATHANSON d’après le livre de Stan REDDING et l’histoire vraie de Frank W. ABAGNALE.
Acteurs : Leonardo DICAPRIO, Tom HANKS, Nathalie BAYE.
Musique : John WILLIAMS.

DVD Zone 2

Images

La compression aurait pu être meilleure, mais la gamme étendue et éclatante des couleurs est encore plus spectaculaire sur DVD qu’en salle.

Son

Quoique faisant bien son travail, la VF 5.1 reste bien pâle comparée à la VO 5.1 et surtout à la dynamique DTS.

Bonus

Sur le 2e DVD : En VOST, 7 modules thématiques de 3′ à 28′ pour un total de 78′, en réalité, comme sur la plupart des DVD Spielberg, un making-of saucissonné pour dissimuler le peu de matière réellement originale. Remarquable pour une fois, en l’absence d’effets spéciaux à expliquer, les coulisses du tournage montrent enfin Spielberg en metteur en scène derrière la caméra et en directeur d’acteur. Bien titré « Choisis-moi si tu peux », le chapitre consacré au casting rejoint les confidences du fidèle compositeur John Williams, les entretiens avec le vrai Frank Abagnale et un consultant du FBI pour expliquer en détail la genèse et la création du film, le tout en un mélange habile et crispant d’informations et de promotion. 3 jolies galeries de photos sur le casting, les coulisses et les costumes complètent le tout.

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF et allemande en 5.1 ; VO en 5.1 DD et DTS.
Sous-titres : Français, anglais (pour malentendants mais non précisé), allemands, russes et hébreux.
USA – 2002 – Couleurs – 135’ – Universal Pictures – 1 DVD-9 + 1 DVD-5.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Joe Kidd

Un habile dilettante est forcé d’intervenir dans le conflit qui oppose un gros propriétaire terrien et un rebelle luttant pour le respect des droits des mexicains.

Joe Kidd

Malgré la présence charismatique de Clint Eastwood et du toujours très juste Robert Duvall, le traitement trop burlesque du film à la recherche d’un ton western spaghetti nuit à un sujet à l’origine très sérieux. Morceau de bravoure à voir éventuellement : une locomotive conduite par Eastwood traversant un saloon…

Western
Réalisateur : John STURGES.
Scénario : Elmore LEONARD.
Acteurs : Clint EATSWOOD, Robert DUVALL, John SAXON.
Musique : Lalo SCHIFRIN.

DVD Zone 2

Images

Belle déclinaison d’ocres, de bruns et de clairs-obscurs pour une image presque réaliste. Légers fourmillements dans les arrière-plans.

Son

Mat et sans relief en VF. Modeste, la VO est nettement plus claire.

Bonus

Aucun.

Format film : 2.35 Cinémascope.
Format DVD : 16/9 compatible 4/3.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en mono.
Sous-titres : 16, dont français, anglais, allemands, italiens, espagnols, norvégiens, finlandais et russes.
USA – 1972 – Couleurs – 84’ – Universal Pictures – DVD-9

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Fureur Apache (Ulzana’s Raid)

Un vieil éclaireur spécialiste des indiens et un jeune lieutenant sorti de l’école d’officiers se lancent aux trousses d’un groupe d’Apaches sanguinaires échappé de sa réserve.

Ulzana-s-Raid

Plutôt que de laisser une femme blanche entre les mains des Apaches, un soldat la tue de sang-froid et se suicide aussitôt ! Capables des pires sauvageries, images sanglantes à l’appui, les caricaturaux indiens de ce film justifient ici une chasse à l’homme nihiliste aux relents idéologiques ambigus, voire nauséeux. C’est malheureusement le prix à payer pour une balade dans les plaines et rocailles asséchées de l’Arizona.

Western
Réalisateur : Robert ALDRICH.
Scénario : Alan SHARP.
Acteurs : Burt LANCASTER, Bruce DAVISON, Jorge LUKE.
Musique : Frank DEVOL.

DVD Zone 2

Images

Qualité inégale tout au long du film, notamment en terme de compression, le pire étant au début avec neige et taches noires.

Son

La VF est aussi percutante pour du mono que la VO pour tout ce qui est musique et sons, sauf pendant les dialogues où l’inévitable sonorité studio de la VF écrase au passage les bruitages.

Bonus

Aucun

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en mono.
Sous-titres : 16, dont français, anglais, allemands, italiens, espagnols, danois, arabes et hébreux.
USA – 1972 – Couleurs – 99’ – Universal Pictures – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

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Les Écumeurs (The Spoilers)

Pendant la ruée vers l’or en Alaska, un homme floué par un juge corrompu se fait aider par sa maîtresse, propriétaire d’un saloon, pour récupérer par la force sa mine d’or.

the-spoilers

Western plutôt obscur mais intéressant pour sa délocalisation en Alaska plutôt que dans l’Ouest et pour le couple Marlene Dietrich – John Wayne. A découvrir aussi pour les robes incroyables de Dietrich – ange survolant la gadoue, pour la reconstitution parfois impressionnante de Nome, une petite ville hyper active de l’Alaska en 1900, pour une très violente scène de bagarre à poings nus entre John Wayne et Randolph Scott, et pour la vraie gifle de Marlene Dietrich qui décoiffe la montagne John Wayne.

Western
Réalisateur : Ray ENRIGHT.
Scénario : Laurence HAZARD et Tom REED d’après le roman de Rex BEACH.
Acteurs : Marlene DIETRICH, John WAYNE, Randolph SCOTT.
Musique : Hans J. SALTER.

DVD Zone 2

Images

Un joli noir et blanc entaché par de petits, mais nombreux, points blancs et égratignures.

Son

VF plate et sans valeur aux bruitages quasi inexistants. VO beaucoup plus dynamique et détaillée avec, incontournable, la voix de Marlene Dietrich.

Bonus

Aucun

Format film : Plein écran.
Format vidéo : 4/3.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en mono.
Sous-titres : 16, dont français, anglais, allemands, italiens, espagnols, hollandais et arabes.
USA – 1942 – Noir & blanc – 84’ – Universal Pictures – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Le traitre du Far West (The Virginian)

Une jeune institutrice de la Nouvelle Angleterre découvre avec surprise l’amour et les rudes mœurs des cow-boys du Wyoming en lutte avec des voleurs de bétail.

the-virginian

Naïf et bon enfant, ce western sans indien où les jolies toilettes des femmes sont aussi improbables que les chemises blanches des vachers qui poussent parfois la chansonnette, court après une morale tout aussi candide de la civilisation face à la sauvagerie.

Western
Réalisateur : Stuart GILMORE.
Scénario : Frances GOODRICH, Albert HACKETT et Howard ESTABROOK.
Acteurs : Joel MCREA, Brain DONLEVY, Sonny TUFTS.
Musique : Daniele AMFITHEATROF.

DVD Zone 2

Images

Pour l’essentiel très bien conservées, les formidables couleurs Technicolor redonnent vie aux matières des costumes et à la nature verdoyante.

Son

Non seulement les voix de la VF sont beaucoup trop en avant mais des bruitages inexistants sur la VO ont été rajoutés (des foules de grillons par exemple) signalant qu’il s’agit là encore d’un film avec une partition musicale différente en VF et en VO ! Même vieilli, le tout est beaucoup plus naturel en VO.

Bonus

Aucun

Format cinéma : Plein écran.
Format DVD : 4/3.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en mono.
Sous-titres : 16, dont français, anglais, allemands, italiens, espagnols, portugais, danois et turques.
USA – 1945 – Couleurs – 83’ – Universal Pictures – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Flubber

Un professeur aussi génial que distrait invente un caoutchouc magique aux possibilités plus extraordinaires les unes que les autres.

Flubber

Robin Williams fait le fou gentil comme prévu mais la vraie vedette est le fameux Flubber, un caoutchouc prodigieux prétexte à de nombreux effets spéciaux et rebondissements, au sens littéral. Techniquement impeccable, très inventif et souvent drôle, mésestimé à sa sortie, voilà un film tous publics à redécouvrir sans arrière pensée.

Comédie familiale
Réalisateur : Les MAYFIELD.
Scénario : John HUGUES et Bill WALSH d’après l’histoire de Samuel W. TAYLOR.
Acteurs : Robin WILLIAMS, Marcia GAY HARDEN, Christopher MCDONALD.
Musique : Danny ELFMAN.

DVD Zone 2

Images

Couleurs et noirs sont denses, les images réelles fusionnent parfaitement avec celles de synthèse signées ILM.

Son

De la musique multi-instrumentale de Danny Elfman aux rebonds invraisemblables du super caoutchouc dans toutes les directions, ce DVD est un véritable test technique pour votre installation, en VF comme en VO.

Aucun bonus

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF, VO et hollandaise en 5.1. Tchèque et hongroise en stéréo.
Sous-titres : Français, anglais, hollandais, tchèques, hongrois, hébreux. Anglais pour malentendants.
USA – 1997 – Couleurs – 90’ – Buena Vista – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Collège attitude (Never Been Kissed)

Une journaliste débutante revit les tracas de son adolescence à l’occasion d’une enquête sur la vie au lycée.

Never-Been-Kissed

Énième variation romantique et préfabriquée sur la terrible vie des lycéens américains avec, cette fois, une Drew Barrymore si décomplexée qu’elle joue le ridicule avec une sincérité confondante.

Comédie
Réalisateur : Raja GOSNELL.
Scénario : Abby KOHN et Marc SILVERSTEIN.
Acteurs : Drew BARRYMORE, David ARQUETTE, John C. REILLY.
Musique : David NEWMAN.

DVD Zone 2

Images

Nettes et sans histoire.

Son

C’est surtout la musique qui déclenche les voies arrière et l’on remarque des basses et un écho plus efficaces sur la VO que sur la VF.

Bonus

Aucun.

Format film : 2.35 Cinémascope.
Format DVD : 16/9 compatible 4/3.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en 5.1.
Sous-titres : Français, anglais, hollandais, allemands, italiens, espagnols et suédois.
USA – 1999 – Couleurs – 103’ – Fox/FPE – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Désirs secrets (Alice Adams)

Une brillante jeune femme issue d’une famille modeste rêve de s’arracher à sa condition sociale en trouvant l’amour.

alice-adams

A la fois légère par son ton et sérieuse par son thème, cette chronique sociale de 1935 fut l’écrin idéal pour une Katharine Hepburn aussi crédible ici en cendrillon moderne qu’en reine dans d’autres films.

Comédie dramatique
Réalisateur : George STEVENS.
Scénario : Dorothy YOST, Mortimer OFFNER, Jane MURFIN, d’après le roman de Booth TARKINGTON.
Acteurs : Katharine HEPBURN, Fred MCMURRAY, Fred STONE.
Musique : Roy WEB.

DVD Zone 2

Images

Une grosse rayure passagère et quelques sauts de pellicule ne gâchent en rien un joli noir et blanc d’époque.

Son

Dialogues et bruitages sont tellement audibles en VF contrairement à la VO nettement en deçà qu’on dirait la piste VF dopée. Mystère d’époque encore à expliquer : la partition musicale de la VF est différente de la VO !

Bonus

Courte présentation de Serge Bromberg.

Format film : Plein écran.
Format DVD : 4/3.
Versions sonores : VF et VO en mono.
Sous-titres : Français.
Collection Classique de Poche RKO à moins de 15 €.
USA – 1935 – Noir & blanc – 100’ – éditions Montparnasse/MGM – DVD-5.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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35 heures c’est déjà trop ! (Office Space)

Plutôt que de sombrer dans une dépression nerveuse, un employé dégoûté par son entreprise informatique banale adopte une attitude je m’en foutiste mi salutaire mi suicidaire, au point d’entraîner quelques collègues dans une arnaque maladroite.

office_space

Cette comédie douce amère écrite et réalisée par le créateur des grinçants Beavis et Butt-head dénonce l’aliénation de la vie de bureau avec un cynisme inattendu. Version soft du fameux Fight Club subversif, les traits d’humour sont sobres, souvent vachards et justes. Jennifer Aniston ne fait certes que passer, mais le film, lui, reste en mémoire. Une bonne surprise à découvrir.

Comédie
Réalisateur : Mike JUDGE.
Scénario : Mike JUDGE.
Acteurs : Ron LIVINGSTONE, Gary COLE, Jennifer ANISTON.
Musique : John FRIZZEL.

DVD Zone 2

Images

Fidèles au sujet du film, les couleurs sont tièdes.

Son

Quelques séquences oniriques avec écho d’outre-tombe et une bande musicale pigmentée de rap signalent que, malgré une répartition assez homogène sur toutes les voies, la VF n’a vraiment pas l’amplitude de la VO. Sans parler du doublage saccagé de l’important chef de service trop suave pour être honnête interprété par Gary Cole.

Bonus

Bande-annonce en 16/9 et en VO mono non sous-titrée.

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF, VO, allemande, italienne et espagnole en 5.1.
Sous-titres : français, anglais, italiens, espagnols, danois, norvégiens, suédois et hollandais. Anglais et allemand pour malentendants.
USA – 1999 – Couleurs – 85’ – Fox/FPE – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

(Publié en 2003 dans le mensuel Les Années Laser)

 


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Ivre de femmes et de peinture (Chihwaseon)

Un peintre calligraphe coréen célèbre du XIXe siècle s’interroge sur le parcours aussi exceptionnel qu’accidentel qui l’a conduit de la mendicité à la cour du Roi, puis à nouveau à la rue.

IVRE DE FEMMES ET DE PEINTURE

Reconnu en France depuis Le Chant de la fidèle Chunhyang en 2000, le réalisateur coréen Im Kwon-Taek est en réalité en activité depuis 1962 ! Inspiré de la vraie vie du peintre Ohwon, son dernier film est une chronique à la fois intimiste et historique où le destin d’un pauvre ère devenu artiste privilégié malgré lui rejoint la grande histoire coréenne du XIXe siècle. Petit chef d’œuvre plastique et narratif, rarement la caméra a aussi bien approché le mystère du geste du peintre. Avec la qualité de sa reconstitution historique et la finesse de son propos le film réussit également à être politique en témoignant du déclin d’une société encore médiévale au moment où, en 1884, Chine et Japon se disputent encore la Corée. Phrase clé du personnage qui résiste à une commande du Roi : « Pour un artiste la répétition signifie la mort ».

Historique
Réalisateur : Im Kwon-Taek.
Scénario : Kim YOUNG-OAK et Im KWON-TAEK.
Acteurs : Choi MIN-SIK, Ahn SUNG-KI, You HO-JEONG.
Musique : Kim YOUNG-DONG.

DVD – Zone 2

Images

La gamme des couleurs est volontairement sobre et naturelle, le DVD s’applique à les reproduire fidèlement tout en maintenant des contrastes très solides. Bel équilibre. Défaut provenant de la pellicule : l’image n’est pas tout à fait stable.

Son

Formidable 5.1 exploitant toutes les voies pour retranscrire la finesse du bruissement des tissus et des feuillages comme les énormes coups de gong sourds d’une musique traditionnelle envoûtante !

Bonus

Magnifiques menus animés et sonorisés en 5.1 ; passionnant documentaire politique en VOST (20′) où le cinéaste se fait raser la tête en publique pour dénoncer les problèmes du cinéma coréen face à la censure, aux quotas et à l’hégémonique puissance du cinéma américain (!) ; bande-annonce en 16/9 et VOST ; filmographies du réalisateur et des deux acteurs principaux.

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
VO coréenne en 5.1 obligatoire.
Sous-titres : Français obligatoire.
Prix de la mise en scène au Festival de Cannes 2002.
Corée – 2002 – Couleurs – 112’ – Fox/FPE – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

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Les Eaux troubles

Le retour d’une femme dans son village de pêcheur après une longue absence provoque un enchaînement de tensions passionnelles qui, à terme, lève le voile sur la mort mystérieuse de son frère.

les eaux troubles

Tourné dans la baie du Mont St Michel en 1948, ce drame rural où Jean Vilar fait une de ses rares apparitions cinématographiques a sans doute valeur historique, mais au-delà d’une éventuelle cinéphilie exacerbée et d’une passion aveugle pour Ginette Leclerc, on peut rester circonspect devant une syntaxe cinématographique aussi prétentieuse (jolis plans expressionnistes inutiles) que maladroite (fautes de raccords, mouvements de caméras hasardeux, etc.).

Drame
Réalisateur : Henri CALEF.
Scénario : Pierre APESTEGUY d’après la nouvelle de Roger VERCEL : Lames Sourdes.
Acteurs : Ginette LECLERC, Édouard DELMONT, Marcel MOULOUDJI.
Musique : Jean MARION.

DVD Zone 2

Images

Des contrastes magnifiques à peine pollués par un festival de rayures, taches et autres sauts de pellicules.

Son

Les violons excessifs écorchent les tympans au point d’étouffer des dialogues déjà bien rares.

Bonus

Interview récente du réalisateur ; filmographie et biographie de Ginette Leclerc en français et en anglais ; chapitres animés ; présentation des autres DVD de la collection.

Format film : 1.33.
Format DVD : 4/3.
Version sonore : VF mono.
Sous-titres : Anglais.
France – 1948 – Noir & blanc – 81’ – Les Documents cinématographiques – DVD-5.

François Bliss de la Boissière

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Carmen

Un chorégraphe contemporain monte et répète un ballet en version flamenco du célèbre opéra de Carmen.

Carmen-Carlos-Saura

Bel exercice de mise en scène dépouillée en huis clos où le spectateur suit l’histoire universelle de la farouche Carmen en passant des répétitions des ballets à la réalité des danseurs de flamenco et du chorégraphe amoureux, comme il se doit, de sa Carmen.

Drame musical
Réalisateur : Carlos SAURA.
Scénario/Chorégraphie : Carlos SAURA et Antonio GADèS d’après la nouvelle de Prosper MéRIMée et l’opéra de BIZET.
Acteurs : Antonio GADèS, Laura DEL SOL, Paco DE LUCIA.
Musique : Paco DE LUCIA.

DVD Zone 2

Images

Le piqué de la pellicule a ce petit rosé délicat et désuet des années 80 sans pour autant altérer des couleurs et des contrastes très soutenus. Tout irait bien si ce transfert film-DVD n’était pas réservé aux seules TV 16/9 !

Son

Les coups de talons et de castagnettes révèlent une piste centrale mono à l’amplitude surprenante. Les aigus de la piste VF saturent là où la VO espagnole, elle, résiste bien.

Bonus

Documentaire Histoire d’un film de 42′ en VF sous-titrée (le français courageux des intervenants espagnols oblige parfois à tendre l’oreille !) mêlant extraits du film et interviews récentes du metteur en scène, du chorégraphe et de l’interprète féminine ; bande-annonce en VF (et non en VO comme l’indique la jaquette) ; filmographies ; courte galerie de photos en n&b ; 10 bandes-annonces en VF et VOST de la très slim et élégante collection de DVD.

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF et VO espagnole en mono.
Sous-titres : Français.
Prix de la meilleure contribution artistique au Festival de Cannes 1983.
Espagne – 1983 – Couleurs – 97’ – StudioCanal/Universal Music – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

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Jeux d’adultes (Consenting Adults)

Deux couples voisins se lient d’amitié au point de glisser vers une intimité dangereuse quand les intentions des uns et des autres s’avèrent très différentes.

consentingadults

Bon suspens classique, hitchcockien même avec une musique et un rythme inspirés du maître. Après un début trompeur, le dénouement est un peu prévisible, mais servi par un quatuor d’acteurs irréprochables, le scénario se laisse suivre sans trop de résistances.

Thriller
Réalisateur : Alan J. PAKULA.
Scénario : Matthew CHAPMAN.
Acteurs : Kevin KLINE, Kevin SPACEY, Mary Elizabeth MASTRANTONIO.
Musique : Michael SMALL.

DVD Zone 2

Images

Compression visible, notamment dans les scènes nocturnes. Petite dominante de rouge pas bien grave.

Son

Juste ce qu’il faut d’écho sur les canaux arrières. Rien d’indispensable.

Bonus

Aucun.

Format film : 1,85.
Format DVD : 16/9.
Versions sonores : VF et VO en 5.1.
Sous-titres : Français, anglais, hollandais, polonais, tchèques, hongrois, bulgares et arabes.
USA – 1992 – Couleurs – 95’ – Hollywood Pictures – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

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Délit d’innocence (An Innocent Man)

Un mari idéal et sans histoire est jeté en prison suite à la maladresse de policiers véreux.

an-innocent-man-movie

Scénario prétexte et balourd, interprétation plate avec un F. Murray Abraham inutile en second rôle, ce produit ne dépasse pas le niveau d’un mauvais téléfilm. Pour les nostalgiques du charme bourru d’un Tom Selleck toujours aussi peu expressif.

Policier
Réalisateur : Peter YATES.
Scénario : Larry BROTHERS.
Acteurs : Tom SELLECK, F. Murray ABRAHAM, Laila ROBINS.
Musique : Howard SHORE.

DVD Zone 2

Images

Contrastes convenables, mais les arrières plans fixes résistent mal à la compression.

Son

Buggé dirait-on en informatique : les voies arrières du 5.1 disparaissent et réapparaissent capricieusement (disparition à 00:27:55, réapparition à 00:30:17 ?) en VO comme en VF !

Aucun Bonus

Format film : 1.85.
Format DVD : 16/9 compatible 4/3.
Versions sonores : VF et VO en 5.1.
Sous-titres : Français, anglais et hollandais.
USA – 1989 – Couleurs – 109’ – Touchstone Pictures – DVD-9.

François Bliss de la Boissière

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THE MATRIX : l’invasion 2003

Le monde de Matrix revient en force cette année sous la forme de 2 films, 1 jeu vidéo, des films d’animations sur Internet et en DVD. Calendrier du déferlement US.

Matrix reloaded

L’année 2003 sera sous le signe de Matrix ou ne sera pas. Les deux films Matrix Reloaded et Matrix Revolutions qui ont été filmés ensemble sortiront coup sur coup à 6 mois d’écart aux Etats-Unis comme en France. Du jamais vu. Mais reprenons depuis le début…

Premier rendez-vous 2003 le 4 février (demain !), avec la mise en ligne de l’Animatrix (dessin animé) «The Second Renaissance. Part 1» et téléchargeable gratuitement sur le site officiel thematrix.com. Deuxième repère, le 21 mars lors de la sortie du film Dreamcatcher qui sera précédé de la projection de «The Final Flight of Osiris», un Animatrix (court métrage en images de synthèse cette fois) écrit par les frères Wachowski eux-mêmes, dirigé par Andy Jones (superviseur des effets spéciaux de Titanic et Final Fantasy le film, qui ont quelques similitudes il est vrai… Quoi ? Le naufrage bien sûr, allons !) et réalisé par le studio Square USA (il n’était pas moribond lui ?) ! Les images de synthèse de cet Animatrix rappellent effectivement le film Final Fantasy, en plus modeste. Histoire préambule à celle de Matrix Reloaded, «The Final Flight of Osiris» peut être considéré comme un chapitre 1,5 du premier Matrix. Quant à Dreamcatcher, dirigé par Laurence Kasdan et écrit par Stephen King, il s’agit d’un film fantastique.

Animatrix : « The Final Flight of Osiris »

Le 29 avril, une nouvelle édition spéciale 2 DVD du premier film The Matrix sera commercialisée. On y retrouvera tous les documents de la première édition, plus ceux du documentaire sorti plus tard sous le nom de Matrix Revisited (ils ont le chic pour décliner les X et ..ed quand même !), un ticket pour une projection de Matrix Reloaded, des extraits pour la suite Matrix Revolutions, des Animatrix à sortir, un clip de Marilyn Manson, et un teaser du jeu vidéo réalisé Enter The Matrix par Shiny baptisé, avec à propos, What is the Game.

Le 15 mai, attention, sortie de Matrix : Reloaded dans les salles et du jeu vidéo Enter The Matrix ! Quelque part en mai encore, mise en ligne de «The Second Renaissance Part 2», l’Animatrix façon animé japonais. Le 3 juin, un DVD Animatrix sera mis sur la marché. Il contiendra 9 films d’animation dirigés par différentes personnalités : Andy Jones, encore, mais aussi, Peter Chung, Koji Morimoto. La BO de ce DVD devrait également sortir ce jour là (Death in Vegas, Juno Reactor, DJ Shadow et d’autres…). Enfin, le 2e film , 3e de la trilogie, Matrix Revolutions sera dans les salles en novembre 2003.

Ultime précision. Les deux frères Larry et Andy Wachowski sont à l’origine de tous les projets, ce qui garantit une démarche artistique de qualité en parallèle à ce plan d’invasion médiatique. Les Animatrix sont, par exemple, le fruit de trois ans de collaboration entre les deux frères et des artistes américains, japonais et coréens.

Pour mettre des images qui bougent sur toutes ces informations, la bande annonce du film Matrix Reloaded présentée devant les 80 millions de spectateurs du Super Bowl est disponible en ligne depuis le 26 janvier.

Rendez-vous dans la matrice.

François Bliss de la Boissière

(Publié en février 2003 sur Overgame)

 


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Le feu ne prend pas sur Xbox

L’édition spéciale DVD du film La Guerre du Feu ne fonctionne pas sur le lecteur DVD de la Xbox. C’est la faute à pas de chance…

La Guerre du Feu

La Guerre du Feu, le chef d’œuvre préhistorique de Jean-Jacques Annaud vient de sortir en DVD Zone 2. Quelle chance ! Enfin, il était temps pour un film si unique datant de 1981… Il s’agit heureusement d’une édition cartonnée de qualité avec documents d’époque et interview récente affolante d’anecdotes du réalisateur qui fait le singe à l’écran en souvenir. Film sans dialogues compréhensibles (les grognements des personnages correspondent néanmoins à un vrai langage « Ulam » inventé par le romancier Anthony Burgess (Orange Mécanique !!)), l’éditeur TF1 Vidéo a eu l’idée obligeante de prévoir une piste dite Audiovision. Il s’agit là d’une version commentée par une voix off à destination des aveugles et mal voyants qui auraient bien du mal à suivre une histoire sans dialogues intelligibles pour les hommes civilisés.

La guerre du son à l’allumage Xbox

Seulement voilà, au lieu de glisser cette option dans un menu Audio annexe comme l’éditeur l’avait fait pour Le Fabuleux Destin d’Amélie Poulain, les gens responsable de l’authoring ont décidé d’offrir le choix dès le lancement du DVD. Ainsi, une fois la galette installée dans le tiroir, le logo de TF1 Vidéo, les mentions légales et le logo du CNC (Centre National de la Cinématographie) affichés, le DVD s’arrête sur un écran où il faut choisir entre deux menus : Touche 1, le film en Audiovision, Touche 2, le menu classique. Il faut donc appuyer sur le chiffre correspondant et une voix off nous prévient que, en fonction des différents lecteurs du marché, il faut parfois appuyer sur le bouton Enter en suivant. Vous suivez toujours ? Oui parce que là où cela devient embêtant pour la Xbox c’est que la manip’ ne fonctionne pas. Face à cette injonction impérative, la télécommande Xbox est complètement incapable de valider un choix. Ni chiffres, ni Enter, ni Title, ni aucun bouton ne réagit ! Et vous savez ce que cela veut dire pour quelqu’un qui utilise seulement sa Xbox pour regarder des films en DVD ? Ca veut dire qu’il ne peut pas du tout, mais alors pas du tout, voir La Guerre du Feu en DVD. A 33 euros le film ça fait quand même mal.

Coïncidences chaudes et malheureuses

Vous me direz que les clients qui ont à la fois La Guerre du Feu et une Xbox doivent être rares (pas de chances il y en a un qui a une tribune publique), que, comme nous l’a confirmé un journaliste chevronné du magazine Les Années Laser, tous les lecteurs de DVD ont des comportements atypiques. Selon les marques et les modèles, des réactions aberrantes peuvent survenir en fonction de telle ou telle option. Ce n’est pas que cela soit normal, mais c’est courant. Donc, grognon, j’ai mis la PlayStation 2 à l’épreuve, et le film d’Annaud est bien passé même s’il a fallu appuyer sur la touche Enter en plus du numéro (on était prévenu) alors que sur un lecteur DVD Samsung de base il a suffit d’appuyer sur le chiffre requis… C’est fou ce qu’on devient paresseux avec une télécommande…

Enfin, si vous vous posez la question, la réponse est non. Sans puce ni dézonage ou tripotages obscurs, ma Xbox est intègre. Mieux, elle est reliée au Xbox-Live. Si la chance tourne, Microsoft lira cette actu et permettra de télécharger une mise à jour du logiciel lisant les DVD de sa Xbox. On va bien avoir droit à un patch pour mettre à niveau un Unreal Championship qui l’est à peine. Alors updater un logiciel jusque là sans problème ne devrait pas poser de difficultés. Encore une raison de relier sa Xbox au réseau ?

François Bliss de la Boissière

(Publié en janvier 2003 sur Overgame)

 


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A.I. (Intelligence Artificielle) : le film schizophrène de deux génies du cinéma

Spielberg ou Kubrick ? Vrai ou faux ? Humain ou inhumain ? Mecha ou Orga ? Un androïde « aware » vaut-il mieux qu’un humain inconscient ? C’est toute la question. Et la réponse est dans le film… Quand Kubrick et Spielberg rêvent de moutons électriques. Réflexions…

Préliminaire.

Débrouillez vous pour voir le film, on discute après. Pourquoi ? Parce que, vous joueurs, vous êtes en contact quotidien avec l’intelligence artificielle. Pas celle des romans d’anticipation, celle qui se fabrique, se peaufine de jour en jour dans les jeux vidéo. Celle qui, un jour, sortira de l’écran pour se greffer dans le cerveau d’un être cybernétique. Pour jouer ou pour vivre. Vous ne le savez peut-être pas encore, mais la population des joueurs est au premier rang des cobayes de la recherche sur l’intelligence artificielle. Que vous jouiez à Quake ou Pokémon, à Mario ou Myst, vous êtes les betas testeurs quotidien du monde virtuel. A.I. vous concerne forcément. Donc allez-voir le film. Après seulement on parle 😉

Cette réflexion spontanée après la vision du film ne contient aucun  spoilers.

Qui est la marionnette de qui ?

Le cinéaste culte de 2001 : L’Odyssée de l’Espace, Orange Mécanique, Shining et quelques autres monstres cinématographiques est mort avant de mener à bien son ambitieux projet sur l’intelligence artificielle. Pour réaliser cette adaptation de la nouvelle Supertoys Last All Summer Long de l’écrivain Brian W. Aldiss, Stanley Kubrick attendait que les technologies soient à la hauteur de sa vision du sujet : Que se passe-t-il quand un androïde enfant devient capable d’aimer et donc conscient de la vie ?

Année 01

Depuis plusieurs années, le wonderboy d’Hollywood Steven Spielberg s’entretenait fréquemment par téléphone avec Kubrick. En cinéastes visionnaires aux antipodes de la production cinématographique (au cœur d’Hollywood Spielberg est capable de faire un ou deux films par an, totalement indépendant il faut parfois 10 ans à Kubrick pour en faire un seul) les deux hommes parlaient de leurs projets respectifs. Une relation de travail forcément de haut niveau. Spielberg savait que Kubrick travaillait sur A.I., ce dernier l’interrogeait d’ailleurs souvent sur l’avancée des technologies numériques que le metteur en scène de Jurassic Park maîtrise depuis des années. Malgré leurs différences, les deux hommes se respectaient. Quand Stanley Kubrick est mort juste après la sortie de Eyes Wide Shut en 1999, Steven Spielberg a eu l’audace, l’humilité et l’affection de faire le film de Kubrick en suivant les nombreuses notes de travail du « maître » perfectionniste. Adoubé par Christiane, la femme du cinéaste culte, et par le producteur habituel de Kubrick, Jan Harlan, Steven Spielberg bouscule son calendrier et, en cinéaste surdoué, s’arrange pour sortir le film en 2001, année éminemment symbolique dans l’œuvre de Kubrick.

Un film à double face

C’est donc un drôle de film que le spectateur averti découvre avec A.I.. Un peu Spielberg, beaucoup Kubrick, on cherche les traces de l’un et de l’autre dans les 146 minutes du film. Et, tel le robot et l’humain cherchant dans un miroir à distinguer le vrai du faux, le film A.I. est un miroir à double face, une mise en abîme confondante où forme et sujet se rejoignent. Qui est le vrai metteur en scène finalement ? Kubrick ou Spielberg ? Le maître décédé ou l’élève vivant ? Le cinéaste glacial (Full Metal Jacket) déshumanisé (2001 : L’Odyssée de l’Espace) souvent accusé de misanthropie (Barry Lyndon), ou le metteur en scène humaniste (La Liste de Schindler), spécialiste des émotions larmoyantes (Always) ? Qui est le véritable être artificiel du film : l’androïde enfant en quête d’humanité ou l’homme replié sur son chagrin et mort aux nouvelles émotions ? Le film dénonce la schizophrénie chronique de l’humanité et porte en lui-même le symptôme de sa propre folie. En ce sens, A.I. est bien un film de Kubrick, sorte de rêve futuriste qui décale la réalité pour mieux la révéler. Jamais un film de Spielberg, pas même Rencontres du 3e Type, n’a donné autant à penser. Le spectateur sort de la salle en critiquant telle séquence, en questionnant tel parti pris Spielbergien, en se racontant tel décor invraisemblable, en réfléchissant c’est sûr.

Famille artificielle

Evidemment, le débat éthique sur le bien fondé de créer un être synthétique au service de l’homme est vite posé pour, heureusement, être aussitôt dépassé. La société décrite dans le film fabrique des androïdes presque humain à la chaîne, le sujet commence quand on réussit à fabriquer un être capable d’émotion, un enfant programmé pour aimer. Dès lors, sans concession, ni même jugement, le regard neuf du jeune garçon va révéler au spectateur les limites de l’humain. Et c’est en rejetant les soit disant limites fonctionnelles de l’enfant de synthèse que la famille adoptive d’humains touche le fond corrompu d’une humanité émotive et irrationnelle. Au passage, la cellule familiale si encensée par Spielberg lui-même dans tous ses films, se fait salement égratigner sans en avoir l’air.

Geppetto Kubrick a-t-il programmé Spielberg ?

Les robots sonnent vrais, les humains sont faux, la vie spontanée et aveugle se laisse porter jusqu’à la mort, le préfabriqué prend son destin en mains et devient une lueur d’espoir pour l’humanité, pour la vie dans son essence. Les humains sont programmés, on ne sait par quel dieu idiot, pour faire des bêtises divines. Les androïdes, eux, programmés par des hommes, n’aspirent qu’à une chose, devenir humain. Et si le message du film semble trop lourd et trop appuyé au premier plan (du tout premier jusqu’au tout dernier d’ailleurs), il cache en fait une multitude d’alertes. Nous en retiendrons deux…
0) C’est l’esprit, la volonté, la capacité à rêver, à espérer, la flamme (l’âme dirons les religieux) qui fait l’humain, et non sa chair.
1) Quand les avatars virtuels sortiront de nos écrans de jeux il faudra vite apprendre à les comprendre, à les aimer, non pas dans la crainte de les détruire, mais dans le risque de nous mutiler nous mêmes. Par ignorance.

François (Pinocchio) Bliss de la Boissière

(Publié en septembre 2001 sur Overgame)

Sources d’inspiration pour Kubrick : Les aventures de Pinocchio par Carlo Lorenzini (dit C. Collidi) [1883] – Supertoys Last All Summer Long par Brian W. Aldiss – Les androides rêvent-ils de moutons électrique [1968] par Philip K. Dick…
Sources d’inspirations pour Spielberg : Stanley Kubrick – Rencontres du 3e Type – E.T. – Blade Runner…

Note.
Dire que les intellos rock des respectables Inrockuptibles ont évacué le film en quelques phrases assassines en dit long sur l’incompréhension et la distance qui sépare l’intelligentsia du paysage virtuel qui nous hante jour et nuit, nous les joueurs. Nous sommes à la frontière du réel, les joueurs et les concepteurs de jeux sont même les éclaireurs du monde virtuel. A.I. a le mérite de donner corps à un monde pour l’instant intangible qui ne manquera pas de se concrétiser. Un siècle ou l’autre.
Dommage que la culture installée se contente pour juger les jeux vidéo et la porte ouverte par Kubrick et Spielberg, de clichés, de pensées toutes faites et même de raccourcis intellectuels. L’intelligence artificielle balbutiante est notre lot quotidien, demain elle concernera tout le monde. Kubrick et Spielberg nous donnent quelques clés pour comprendre ce mystère, il serait peut-être temps que le débat gagne toutes les couches de la population. Quant au film A.I., l’enfant du couple improbable Kubrick dans l’au-delà et Spielberg dans le présent mériterait largement d’être décrypté.


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Tomb Raider, le film – Le Test !

Nous ne vous dirons pas de ne pas aller voir Tomb Raider au cinéma. Ce n’est pas un chef-d’œuvre mais ce n’est pas non plus le nanar que l’on aurait pu craindre. Car après les précédentes et catastrophiques adaptations cinématographiques de nos héros de pixels (Mortal Kombat, Super Mario … !) il y avait de quoi se méfier.

De fait, il semblerait que la porte ouverte par des films franchement inspirés des jeux vidéo comme Matrix ou Le Pacte des Loups, ait fait passer le message à Hollywood : c’est ok de citer littéralement ce qui passe dans un jeu vidéo dans un film. Libéré de ce doute, le réalisateur du film, Simon West (Les Ailes de l’enfer), n’hésite pas à montrer une Lara Croft dans des postures calquées à l’identique sur ses aventures en jeux vidéo. Dès les premières minutes vous saurez que l’actrice Angelina Jolie fera tout comme Lara Croft : roulés-boulés, salto arrières, « dégainages – rengainages » à volonté de sa paire de pistolets, sauts périlleux, plongeons… Les trucages numériques et un montage musclé sont dorénavant capables de nous faire croire qu’une personne de chair peut en faire autant qu’une silhouette de pixel. Et même parfois plus, puisque cette chère Lara s’amuse dorénavant à faire tournoyer ses flingues à la Clint Eastwood, ou à se battre à mains nues (et boots militaires) contre un sale type. Sans parler d’une paire de mèches huileuses qui encadrent occasionnellement son visage humain. Des nouvelles aptitudes que l’on verra certainement dans les prochains jeux.

Femme libérée

Dans la belle succession de clichés du scénario qui risquent de désintéresser vite les non adeptes des récentes Momies ou des Aventuriers de l’Arche Perdue, les joueurs trouveront un malin plaisir à voir le film s’échiner à reproduire des situations du jeu : Lara Croft fait de la gymnastique dans une salle d’entraînement que n’envierait pas l’école de mutants du professeur Xavier ; Lara Croft conduit des motos et des Land Rover comme un ado rebelle ou Tom Cruise dans Mission Impossible II ; Lara Croft rentre dans les temples par des passage secrets ; Lara Croft décrypte des manuscrits et, d’une manière générale, Lara Croft comprend, tire, vise et court plus vite que tout le monde. Même contre les robots et des statues d’un autre âge devenues amok.

Femme castrée

S’il a fallut attendre le 4e jeu Tomb Raider pour en apprendre un peu sur les origines de Lara Croft, le film balance dès le premier numéro un semblant de passé à notre héroïne. Il s’agit surtout de faire vivre un père décédé en 1985 (Jon Voight, le vrai père d’Angelina Jolie dans la vraie vie hollywoodienne) ! Seul homme auquel Lara semble vraiment attaché, premier archéologue de génie de la famille Croft, la relation affective avec ce père à coup de flash-backs s’avérera finalement le moteur principal de l’action d’aujourd’hui. Un détail dommageable qui transforme la Lara pleine de pouvoirs du jeu vidéo en instrument de la volonté de papa dans le film. Hollywood n’a donc pas su se contenter d’une femme maître suprême de son destin. Si le cinéma attribue à Lara Croft des pouvoirs de wonderwoman et une attitude cool à la James Bond, le semblant d’histoire a la maladresse de lui enlever son initiative. Regrettable.

La femme qui valait 100 millions de $

Du côté production, on pourra s’interroger sur le grain volontairement sale de l’image. Si l’on comprend que ce traitement granuleux cherche à valoriser les temples et autres ruines, il génère aussi un sentiment de vieillot sans pour autant faire référence aux pulp movies façon Indiana Jones. La participation d’un Directeur de la photo comme Darius Khondji (Seven, La Cité des enfants perdus) aurait donné plus sûrement de valeur à cet effet. C’est d’autant plus maladroit que certaines séquences font quand même appel à des gadgets cyber-hightechs. Heureusement, les effet spéciaux ne prêtent pas trop à rire, les situations sont abracadabrantes mais la technique et les images numériques même s’ils ne surprennent guère, sont solides. Le film ne fait donc pas pauvre mais ne fait pas non plus les 100 millions de dollars qu’il a coûté.

La femme pop’n rock

Preuve que le film ne cherche pas à être autre chose qu’un pop-corn movie, la musique est une compile où l’on trouve des pointures comme U2, The Chemical Brothers ou Nine inch nails. Les musiques d’ambiance et les thèmes classieux-classiques des jeux vidéo Tomb Raider n’ont pas trouvé leur place dans un film qui cherche surtout à enchaîner les cascades. Dommage pour le thème familier et agréable du jeu vidéo.

Femme à battre

Reste l’interprétation. Le vilain, inconnu, fait de son mieux mais ce n’est pas Christopher Walken (pour citer un bon méchant potentiel), et Jon Voight, qui parle à sa fille par rêveries interposées, n’est sans doute là que pour sa filiation avec Angelina Jolie. Quant à la Jolie américaine Angelina, ses haussements de sourcils soit disant complices et son accent anglais forcé (Lara est anglaise ne l’oublions pas) ne rattrapent pas sa plate prestation dans le vulgaire 60 secondes Chrono. Si l’idée est de perpétuer une Lara Croft sans émotion, on peut se demander l’intérêt de la muer en être humain. Surhumaine d’accord, insensible aux évènements non.

Femme en fête

Ni satisfaisant ni décevant, le film Tomb Raider est surtout insignifiant. Une distraction à plusieurs millions de dollars qui vaut sans doute à chacun de dépenser quelques dizaines de francs pour vérifier par soi même. Le film sortant à la veille de la Fête du Cinéma (1, 2 et 3 juillet), il y a même une affaire à faire…

Note générale : 6 / 10

  • Plus : L’adaptation d’un jeu vidéo célèbre Lara Croft en chair Angelina Jolie en os Le rythme, inégal mais secoué
  • Moins : L’interprétation plan-plan Le scénario tiré par la natte J’y pense et puis j’oublie… Pas interactif 😉

François de la Boissière

(Publié en juin 2001 sur Overgame)

Lara Croft : Tomb Raider – 1H40. Réalisation Simon West, avec Angelina Jolie, Jon Voight, Iain Glen, Noah Taylor, Daniel Craig… Sortie le 27 juin 2001.


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